油画静物中的装饰性表现手法探析

油画静物中的装饰性表现手法探析

作者：赵亚楠徐刚

来源：《美与时代·中》2019年第10期

摘要：油画静物中的装饰性是具有时代特征的表现形式，它不仅具有美化作用，而且承载了人类对精神世界的追求和审美的认识。文章从油画静物的装饰性起源和发展出发，客观地从构图、色彩、黑白空间以及吸收中国民間艺术元素方面阐述了油画静物中的装饰性表现手法。

关键词：油画静物;装饰性;表现手法

装饰性艺术伴随着人类的发展，历经了不同时代的演变。艺术家通过物象来营造出不同的视觉感受，促使装饰性艺术逐步从朦胧化的发展过渡到自觉的绘画历程中。油画静物的产生和发展，几乎贯穿于油画发展的全部历程。它所描绘的对象是我们生活中常见的物品（水果、花卉、瓷器等），并在内容上表现出油画静物固有的装饰性特征，使其内容、形式、色彩在油画静物中扮演着重要的角色。

一、油画静物的装饰性起源和发展

油画最早出现于14世纪末的尼德兰，是一种以油脂为主要材料的绘画方法。其作品具有着浓烈的宗教气息，虽然人物画局部早已含有写实静物的部分，但也只是用来进行装饰和辅助。油画静物起源于17世纪的荷兰画派，产生了不少的优秀作品。到18世纪，夏尔丹便是法国当时出色的代表画家之一，他的作品没有使用任何修饰手法，却又非常周密地描绘出极其平常的各种生活家庭用品，如《铜锅与鸡蛋》。夏尔丹通过对日常生活这一题材的关注，凭借自身的力量，将静物画提升到一个相对较高的层次。静物画过去只是学画者最初学习和训练的内容，后来却变成了主要用于装饰欧洲宫廷的画廊的重要内容。在18世纪到19世纪，印象派的出现使装饰性色彩得到进一步提升，油画静物同样成为印象派常用的绘画题材。在后来的近现代艺术潮流中，对静物油画装饰性的艺术探索一直没有中断。

20世纪初，西学东渐中国油画家，借鉴了印象派和印象派之后的用色和造型技法，使早期中国油画静物作品中带有一定的装饰性风格，在当时，大多油画家都受西方绘画的影响，如林风眠、常玉、潘玉良、庞薰琹、丘堤等都曾创作了很多装饰性风格的静物作品。在近当代，中国油画静物发展更加迅速，受到立体主义、抽象绘画、波普艺术的影响，油画静物表现多种多样的风格趋向，也出现了一批优秀的油画家如吴冠中，及黄菁《罐子》、任传文《静物》、王羽天《开架图书》等优秀作品。在如今的现实生活中，越来越多的人们使用装饰性画装点他们的生活环境，因此，油画静物中的装饰性效果越来越明显，艺术家们致力于装饰性油画的研究，趣味性与艺术性日益增强，无论题材内容还是表现形式都令人耳目一新。

二、油画静物中装饰性表现手法

（一）构图的装饰性表现

构图是艺术家对画面的整体把控与宏观布局。物体形象在画面上的位置分割，以及线条、明暗、色彩等在画面中的组织，是构图的重点。在构图的实际操作中，艺术家会更多地关注其中的艺术趣味性，而不是传统的方法。其中的装饰性是不可回避的，艺术家们会努力挖掘自己艺术潜能，在当下众多的艺术精品中寻求构图灵感，这也是对画面形象和结构的全面经营和探索[1]。画面构成能力的实际操作、画面装饰性的趣味表达，均是衡量艺术家是否成熟的标志。从莫兰迪的许多作品中可以看到他采用的装饰性构图。如他的《静物》一画，画面中描绘的是参差不齐、胖瘦不一的瓶罐，瓶罐的造型都是用简单的线条来勾勒，画面色调统一，极度平常，但若详细研究便会发现，每件物体间的距离和位置都经过精心的设计与安排，除物体固有的形态之外，物体与背景形成了错落有致的构图，和谐到极致的关系让人不由得感动，直透人的心灵，使观赏者深感其中精妙的装饰性构图方式，信服于大师的艺术才华与超人天赋。

（二）色彩的装饰性表现

1.主观色彩

在油画中色彩的装饰性是极为重要的，五彩缤纷的色彩表达了艺术家的内心世界。而主观色彩是艺术家对客观物象色彩的主观感受，是艺术家在创造过程中，将艺术情感和艺术表现结合的产物，它体现了画家独有的思想情操，同样也是艺术个性的张扬[2]。我们应将自己不同的生活体验、不同的艺术感受融汇到创作中，那不仅仅是简单的描摹物象，更应是智慧与激情的碰撞。凡·高的作品《向日葵》就是很好的范例，画幅中从背景的色彩到花与花瓣的颜色完全是主观的，完成这些对于凡·高并不难，他的确是个天才。我们可以在作品中看到金色的花瓣、金色的背景，厚重的、丰富的色彩让人无言以对，这些都反映了装饰性色彩的特点。从凡·高的作品中，我们学会了如何去感受对象、感受色彩，如何用自己的方式去表现色彩。只有投入百分之百的情感，方能像凡·高一样创作出优秀的作品。

马蒂斯是野兽主义的代表人物，他以主观色彩来构建画面的空间和情感氛围。他认为在色彩的选择上更多是以观察后的各种经验感受为基础去表现画面。这种观点，是油画装饰性色彩存在的主要价值之一。在马蒂斯作品《红色时间、蓝色桌布上的静物》中，蓝色的衬布占据整个画面，静物相对很小，甚至比衬布上的花纹和褶皱都要小。整幅画面在视觉上给人一种强烈的空间感，马蒂斯又通过主观处理把色彩搭配得简约而又巧妙，使画面看起来极具跳跃感。

2.色彩的归纳与提炼

画面中的整体色彩都是由归纳与概括产生的。首先是背景处理，装饰性的静物油画大多采用单纯色来作背景，使画面统一于一种主色调。其次，在画面中静物的颜色尽可能地进行简

化，通过做减法来概括和提炼、发现本质，提炼成一两种主色，使画面不过于繁琐。阿利卡是法国视觉表现艺术家，他始终坚持物体本身色彩的面貌，色彩运用十分简单、概括。在他的作品《伞》《大提琴》等作品中，将物象中的色彩稍加改变和归纳，并在统一的色调中寻找变化。物象中单一的色彩可能会使观赏者乏味，但艺术家却能在作品中巧妙使用同一色彩，使作品单一而不单调。

3.色彩的平面性

平面性作为装饰性色彩造型的重要特征，将立体的静物概括转变为平面的形式来表达。平面化是指采用平涂的手法将静物的形体展开，以突出其造型固有的特征[3]。三维立体的静物，在造型上通常有着丰富的条理、虚实和空间等相关特性的变化，色彩也会因周边环境的影响而发生变化。这些是一般绘画色彩写生所要表达的因素。装饰性色彩则是将复杂的色彩加以简约化，从而更好地突出主题，使画面更加契合形式美的法则。维亚尔的作品具有象征、神秘的境界，单纯的色块构成画面的形象，呈现出特有的魅力。画面将各种色块拼凑成平面图形，像是许多精致图形组成的彩色壁毯一样，具有强烈的装饰性效果。莫兰迪的作品，大多采用平面化的方式来描绘静物。他的作品《桌上的静物》，采用平面化的方式，对桌子上瓶罐形态的本质进行提炼，没有深入的写实刻画、明暗过渡和色彩的精雕细琢，而是以平面化的方式给予观赏者最深刻的视觉感受。没有提炼和概括的平面化色彩，就没有生命力。平面性色彩对物象进行概括塑造时，将一些不必要的因素去除，主要表达艺术家的思想，这是视觉艺术表现最为有力的方法。

（三）黑白空间的装饰性表现

黑白空间中的装饰性在体现作品的整体效果时，主要采用黑与白两色来表现。在不断的归纳与总结中，人们将丰富的色彩简化为黑与白两大元素，使画面的效果单纯明了，从而具有独特的魅力。在布局方面，黑白装饰画极具创意性，为了画面的整体效果，会先确定好画面的构图方式，例如轮廓线的起伏、黑与白的分割等。另外要强调整个画面的主次、疏密效果，才能使画面更具艺术感染力[4]。黑白空间装饰性的造型与一般绘画造型方法有所不同，前者更具有表现力，主要表现在由点、线、形构成的黑白画面中。黑白两色与丰富多彩的色彩相比，視觉上缺少很大的冲击力，因此在形的表现上要更加趋于丰富化。王怀庆先生的作品是基于中国绘画黑白的传统理念而创作的。他在画面中利用黑白表面的强烈冲突和张力，表现他的创作感受，其作品《椅》就特别集中地体现了这一绘画风格。作品结合西方的绘画方式，用黑色线条组合的椅子，展现了艺术家对于作品细心的设计以及对于情感的释放。作品中黑与白两色让作品从内向外体现出了一种强烈的情感魅力和视觉冲击力，最大程度上增加了画面的装饰性效果。

（四）对中国民间绘画的借鉴

在油画创作中，对民间绘画元素的借鉴是不可或缺的。木版年画以其奇特的色彩、造型、构图、题材等样式的元素特征，开辟了中国当代油画创作的新视野，中国当代油画也从木版年画中借鉴了很多的表现效果。画家刘铁飞的油画在造型方面就吸收了木版年画中独特的因素，将中国的传统年画造型样式和西方绘画元素结合起来[5]。他运用写实的手法表现他的作品，如《伴我童年》画面构图完整，色彩和谐，装饰性效果明显。画家刘大鸿借鉴了中国传统民间画的色彩与形体表现，运用细线勾勒、单纯的色彩，也将木版年画中门神的气韵表现出来了。其作品《样板卦》吸收了民间漆艺中的色彩与构图方式，色彩绚丽又不失浑厚。中国油画静物的装饰性正是吸收了民间艺术元素的营养才得以更宽广的发展，但真正的东学西渐之路还很长。

三、结语

油画及其所包含的油画静物都是经过长久的发展而形成的，这个过程是艺术家对客观世界探索和对自己内心追求的尝试。我们除了要学习和借鉴传统艺术形式之外，也要让油画静物中的装饰性表现形式紧随时代的步伐，要不断对当代艺术形式和文化趋向进行分析，将其融入到我们的艺术创作之中，使我们创作出许多具有时代精神的作品。

参考文献：

[1]魏娟.油画创作中的构成形式[D].河北师范大学，2010.

[2]余岚.装饰性色彩语言在油画静物中的表现研究[D].湖南师范大学，2013.

[3]尚冠男.中国当下油画色彩平面化语言表现分析[D].西南大学，2011.

[4]项竞婵.黑白装饰画中装饰性与绘画性的关系探析[D].上海师范大学，2017.

[5]谢光跃.浅析中国意向油画的装饰性色彩[J].美术教育研究，2012（11）：24-25.

作者单位：

中国矿业大学建筑与设计学院

浅谈油画棒静物画教学

浅谈油画棒静物画教学 静物画作为绘画基本功训练的一种方式，在创作过程中即可以锻炼初学者的观察能力，又可以培养其认真细致的表现能力。油画棒代替水彩、水粉等形式来进行色彩练习，色彩鲜艳，质地细腻。油画棒静物画将两者结合起来，通过在小学中年级的课堂教学实践，我感觉到孩子的学习兴趣逐步浓厚，与此同时，孩子的观察能力、想象能力以及造型能力有了较大幅度的提高，特别是色彩的表达能力，并不断创作出较为精彩的作品。 在对油画棒的应用和教学过程中，通过在课堂上的实践摸索，我感到油画棒静物画有许多优势是其它绘画工具所不能比拟的，主要体现在三个方面。 一是直观性的优势。 首先，油画棒作为固体颜料制成的一种有趣的绘画工具，学生可以直接握笔作画，这比起用毛笔蘸颜料进行绘画创作要方便得多。而且油画棒的表现手法灵活多样，有厚涂法、薄涂法、映衬法等。如厚涂法中，色彩的使用，它表现时的层层相加，孩子可以很清楚地看到，哪块颜色用了哪支油画棒，方法简便容易掌握，同时能很好地判断色彩的不同成分。另外，老师在画示范画时，学生可以从一支支油画棒的更换使用中，清楚地看到色彩的微妙变化。激发孩子们的绘画兴趣，充分表现自己的欲望。 二是浓厚兴趣的优势。 罗素曾说过：一个人感兴趣的事情越多，快乐的机会也越多，而受命运摆布的机会就越少。兴趣是一种对智力活动有重要影响的非智力因素。古今中外卓有成就的人，无不对自己的事业有着强烈浓厚的兴趣。而个体一旦对某种活动产生兴趣，就会提高这种活动的效率。学画也是如此。由于静物画造型简单，通过指导，学生可以很快地用油画棒画出立体感，表现色彩的变化。通过油画棒不同的表现手法表现出来静物，色彩鲜艳、饱和、质地细腻，学生感受着小小画笔带来

油画创作技法个人总结

油画创作技法个人总结 油画学习心得1 通过两周的水彩人物的实践与学习，或甚得浅我有了些自己才华 出众的实践感想。刚开始入手油画的临摹我就充分感受到素描基础对 它的决定性作用及对色彩掌握的灵活性,一幅好的人物素描作品必须有 坚实色彩素描基础和灵活的的运用技法。 英雄形象下面是我对人物油画的认识与感想： 在临摹过程中曾首先构图是中所至关重要的，尤其是人物油画， 对其造型即打形的其要求较静物、景物会更严格。在“打形”过程中 首先我们需要在脑海里对临摹对象有个自己的“理想”定位，这样在 打形过程中就不会因陌生而造成的困难。这里补充一点我们在选临摹 稿子时一定要找适合自己的，自己喜欢的，这样对临摹心理有很大的 绘画鼓动。 打形的时候一定要有计划的进行盲目下笔，画哪算哪，缺乏整体，要考虑整体提前布局的安排，局部时一定要把握好人物的动态，注意头、颈.、肩、手各部分的个别连接处及他们之间的比例关系、透视关系。我选的临摹这段话是谢楚余的《花影》，选择这幅正是由于人物 的动态表现使画面显得独具一格，但是增加同时也增加了肖像画的难度，可视化造型过程中我特别注意动态的表现。 形打好就开始整体铺大的的明暗关系，如同画素描一样用铺调来 凸显人物的立体感及与大背景的空间关系，而铺大调最主要的就是明 暗关系，同时把握正确的刨大调后，有利于在“大调”中找形，通常 是以头来测量人物的的其它比例。 铺好大调后的着力点就是主体了，要突出主题，而人物的主体当 然就是头英雄形象和手的刻画，既然是刻画就要十分“苛刻”了，刻 画之前应必须多多少少要懂得头和手的病理学知识才有利于细节的刻画，而不会“画”不达意，出现明显造型上的错误，而在重点刻画头

装饰画——装饰色彩

装饰画——装饰色彩 装饰画——装饰色彩 装饰色彩以固有色为基础，研究色彩的平面性与装饰性。装饰色彩一般排除自然界中光源色与环境色的影响，把自然界中的色彩关系综合、概括、抽象出来，利用色彩的浓淡、冷暖、明暗、互补等对比手法进行色彩的艺术创造。装饰色彩可以不再是物体本身的自然颜色，而是人们根据审美需要，对色彩进行多种艺术处理和加工，装饰色彩是人们对自然色彩的再创造，是人们主观赋予物体的一种抽象色彩，是人们对色彩欣赏的一种需要(人们在生活中可以从大量的日用品、工业晶、工艺晶、现代建筑等等各个领域中充分领略装饰色彩的无穷魅力。 装饰色彩更多的应用在图案设计、装饰壁画、工艺美术、国画、民间艺术，建筑设计、服装设计、家具日用品等众多方面，可以说在人们生活的所有领域里，它几乎无所不在，与人类的衣、食、住、行息息相关(因此，人们对于装饰色彩最为熟悉，在现代文明中成长起来的人，最早接触的并不是大自然，而是房屋建筑、家具、玩具等生活日用品，人们的色感最初也是通过最早接触的这些物品的色彩而培养出来的。 写生色彩与装饰色彩不同，它是从客观真实的角度来观察、分析和再现色彩关系的(它不仅仅研究物体的固有色，而是整体的表现物体在光线照射下的所有色彩关系。写生色彩是把物体的固有色、光源色、环境色做为一个不可分割的整体来研究、来表现的。

装饰画是指具有装饰性的绘画作品。造成装饰性的因素很多，如追求构图的单纯;形象的平面化处理;注意空间结构的美;强调形式美法则的运用和表现材料自身的美与加工工艺的美。其中，材料的合理运用，已成为装饰画的重要表现手段，构成装饰性的特征之一。

材料有其各自的形态、色彩、肌理等视觉特征:有的厚重，有的轻薄，有的粗糙，有的细腻，有的鲜艳，有的灰暗。它同绘画颜料相比，有颜料无法替代的美感效果，为艺术创作提供了发挥的天地。其关键在于充分利用材料在艺术表现上的长处，形成独特的装饰美。

浅谈装饰性风景油画

浅谈装饰性风景油画 作者：傅妙琳 来源：《美术界》 2016年第1期 文/ 傅妙琳 【摘要】油画是人类文明史上一种古老的画种，它的出现是为了表达人类丰富的精神文明而做出的审美创造。如今世界经济飞速发展，绘画艺术进入了更加丰富多元化的时代，例如：当代的油画艺术十分强调主观性，有时甚至抛开图像内容，而装饰性风景油画用其夸张的画面和跳跃性的色彩表现出了其独特的艺术魅力。 【关键词】装饰性；风景油画；油画创作 油画作为一种古老的画种，有着各种各样的风格而装饰性风格的油画只是其中的一种表现手法，它的出现在西方油画发展史上是有迹可循的。 我们追溯西方油画刚刚出现的时候，此时的艺术家注重研究物体透视，油画作品注重对自然事物真实的描绘，风景油画则会注重在平面的画布上建立深度的空间和通过色彩明暗关系体现由近及远的清晰层次，这种写实的艺术形式是受到了西方人文主义精神的影响。过了一个多世纪，油画艺术发展到了伦勃朗的时代，此时油画艺术在表现语言上更加丰富，色彩的运用不再是单一的固有色，而是出现了固有色和环境色之间的变化。这时候的画家会通过颜色的冷暖对比、明暗对比、薄厚对比来丰富画面，这个时代的艺术家开始注重自己的内心感受，使作品具有一定的主观性和丰富性。直到莫奈的作品《日出·印象》的出现，这幅作品标志着油画艺术的新时代已经到来。莫奈将自然光投射在物体上，用细密的笔触和厚重的颜料使对比色融合到一个画面，同时他认识到事物的背光面并不只是把黑颜色从浓变淡，这一认识改变了用单色来描绘物体暗部的传统方法，在一定程度上改变了传统油画对固有色和体积感的重视，使当时的艺术家开始想在自己的作品中加入更多的颜色。到了19 世纪末期，一些艺术家开始不再以传统的方式作画，而是以简约的色彩造型、强烈的颜色对比、饱和度高的色相加上节奏感强烈的画面构图形式，这样便使整个画面与艺术家的自身情感相结合，并使画面的构图加入更多艺术家的主观创作。这种创作形式透露出了一种浓郁的表现力和较强的装饰风格，其中最具有代表性的艺术家有梵高、高更、塞尚，此时便开启了油画装饰风格的到来。之后的野兽派在吸收前人的经验下，摆脱了物体的固有色和透视法，追求更为主观和强烈的艺术表现，带有更为明显的写意倾向和装饰性。 在野兽派之后又出现了一种“立体主义”，他们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆锥体来表现自然”当作他们所追寻的理想。他们追求把客观存在的物体以几何形体拆分然后重新组合，这样便产生了一种装饰美感。之后出现的巴黎画派，他们的画作中没有传统的透视观念，均为二度空间上的色形组织结合，带有强烈的装饰画风格。 在法国曾出现一种绘画派别，叫做纳比派。纳比派的作品也具有浓郁的装饰风格，他们的画作在表达现实时更多注重抒发情感，十分感性。同样在俄罗斯出现的弗拉基米尔画派也十分具有装饰性美感，弗拉基米尔画派作品笔触浑圆结实，肌理感厚重，用色大胆鲜艳，在油画历史中留下让人无法忘却的痕迹。20 世纪，装饰性风格的油画在欧洲发展到了最繁荣的时期。 油画作为世界上最古老的画种之一，有许许多多不同的表现手法，而装饰性风格的油画仅是其中之一。装饰性风格的油画区别于古典写实油画，它有着不一样的创作手法，侧重于表现画面饱和度高的颜色，注重夸张性和跳跃性，使得画面看上去简约而不做作，极具浪漫色彩。这主要是为了表达作画者内心的认知和感受，让作品富有很强的感情色彩和主观性。

色彩的表现特征

归纳色彩的表现特征 归纳色彩的课题训练是通过写生的方式．以归纳为表现手段来获取对装饰性色彩的认识和把握.将自然色彩的写实性表现转换到自然色彩的装饰性表现，这是色彩造型观念的转变，也是造型方式、方法的转变，其表现特征为: 一化冗繁为简约 -般自然形象具有形、色丰富而繁杂的一面，形体具有体积感和空间特征．色彩上存在固有色、光源色、环境色等因素.归纳色彩摈弃写实性表现因素、将繁杂的形、色关系通过概括、提炼、归类的删繁就简过程,并结合艺术形式语言的运用和表现，使之成为平面化具有装饰特征的艺术形象。 化繁为简是色彩归纳的必要手段和必然结果，简不是简单，艺术上的“以少胜多"常常用减法，艺术中的减法更为难能可贵。 二、化杂乱为条理 客观的自然物象存在着庞杂无序的特点，即使井然有序也未必符合画面的艺术需要。室内的静物虽经人为摆设，也会由于角度不同而不尽如人意.因此，在关注画面构成的基础上,对客观物象的理顺是通过概括、梳理使之达到画面的秩序化和条理化.这既体现了归纳色彩的技术要求，也从内涵上体现出一定的艺术原理，只有伴随对形式语言和风格的追求,才能得以准确把握。 三、化写实为夸张 色彩归纳摆脱对自然物象的传真、摹写．而采取平面的手法将自然形象转化成艺术形象，夸张是实现这一目标的常用方法。夸张能强化主题．突出形、色特征，增加形式风格特点，增强艺术感染力。归纳色彩的表现离不开对夸张手法的运用,然而只有结合画面追求的特点需要，才能使夸张具有真正的意义,才能达到理想的效果。 变形、变色是夸张的主要表现方式．也是获取画面形式意味的重要因素。通过变形、变色是摆脱客观的真实感、实现装饰效果的主要途径。 四、化立体为平面 平面效果是装饰色彩风格的主要特征.它所具有的朴实无华和单纯、舒展的装饰美感是装饰色彩所独具的审美风格。归纳色彩是通过归纳的手法将具有二维的自然形、色转变成具有二维平面的装饰画面。因此，平面化是色彩归纳写生表现的主要特征和研究目标。 装饰性色彩无论从观察方式、思维方式和表现方法上都与写实色彩有着截然不同的造型理念。学习归纳色彩必须首先转换头脑．从对客观写实的依恋中解脱出来，转入到对平面性色彩的感悟和方法的学习。其次，在改变客观真实性中,归纳色彩导人到对艺术形式和本质深层次的认识和研究＊也必然带来艺术形式和风格的个性化和多样化。 第一章、写实性归纳 绘画的写实性色彩课题训练,主要针对以客观的自然色彩的规律性为研究为目标，从而建立起对色彩基本要素的感性认识。其表现特征是将具有三维特点的客观物象在平面上表现出具有三维的真实感。色彩的关注点侧重于条件色，而在表现上多做加法,即尽量感受丰富的色彩关系和微妙的色彩变化并加以表现。 归纳色彩是以归纳为手段,将课题切入对自然的再创造为目的，探索装饰性色彩造型的表现语言。其表现特征是将二维立体的客观物象表现出二维平面的画面效果。色彩在感受的基础上更注重理性的处理和对固有色的关注,注重做减法。以简约的色彩创造出富有形式意味的装饰画面,是归纳色彩的目标。 一、写实性归纳的概念 写实性归纳是介于写实性绘画与平面性归纳两者之间的一种表现形式，具有两方面的特征。一．写实性归纳既尊重了写实色彩的客观性，又增强了对具体物象概括、表现的主观性，是两种造型理念转换的有效过

形式美法则在文森特·梵高油画作品中的应用分析

形式美法则在文森特·梵高油画作品中的应用分析 形式美法则是西方美学中一个重要的概念，其强调的是形式元素之间的关系，特别是色彩、线条、形态等元素的和谐平衡。而文森特·梵高作为后印象主义的代表画家，深受这一法则的影响，他在自己的油画作品中融入了很多形式美的表现手法，为观者呈现出生动而充满情感的画面效果。 首先，梵高在色彩的运用上非常突出，他善于使用大量的鲜艳而对比强烈的色彩来表现主题。例如《星空》中，夜空中繁星点缀，形成了错落有致的梦幻景象。而这种明亮而强烈的色彩对比则增强了绘画的表现力和感染力，让观者们能够更好地享受到艺术的感受。 另外，梵高在线条的表现上也有一定的特点，他倾向于使用比较粗糙的画笔和线条来刻画形象，这种表现手法在他的作品中非常普遍。例如《向日葵》中，他将画笔斜着用，使得画面呈现出极为自然和野性的笔触，使得作品更具有情感的张力和动感，这种表现手法为他的画作赋予了独特的存在感和趣味性。 此外，梵高在构图方面也非常有特点。他的构图通常具有一定的对称、平衡性，例如《向日葵》中，画面中心的一个巨大的向日葵和两旁的小花围绕着中心构成了完美的对称图案，这种对称性呈现出了一种稳定的感觉而增强了作品的艺术气息。 最后，梵高也善于利用形状和空间的表现来增强作品的形式美。例如《逐梦人》中，他利用了左右两侧高低起伏的山谷来展现出作品的空间感，让观者们感受到作品的广阔和深远。同时，作品中人物的身体形态以及周围树木的形状也非常协调，如此和谐的形态使作品的表现力更为突出。 综上所述，梵高在自己的油画作品中灵活运用了形式美的表现手法，使得作品呈现出了强烈的情感和生动的形象，让观者更好地感受到艺术的力量和魅力。

关于油画技法在绘画创作中的表现力探析

关于油画技法在绘画创作中的表现力探析 油画技法在绘画创作中的表现力表现在不同的颜色运用和调和上。油画颜料的混合与调和非常讲究，可以通过深浅对比和色彩的变化来表现出作品的立体感和质感。油画的颜料可以混合调和，可以进行湿润和干燥层的叠加，这使得油画作品的色彩过渡更加细腻自然，更加富有层次感。尤其在描绘静物、风景等作品时，这种色彩的变化能够更好地表现出物体的真实感和立体感。通过颜料的层层叠加，油画作品可以呈现出丰富的色彩层次和深远的内涵，增加了作品的表现力。 油画技法在绘画创作中的表现力还表现在创作过程中的笔触和运用上。油画作品中的笔触，可以自由操控，可以用于表现作品的氛围和情绪。通过不同的笔触和线条的运用，可以表现出作品的轻重缓急、透视效果和空间感。艺术家可以通过笔触的粗细、轻重、速度和方向的变化来表达出作品中所蕴含的情感和思想。在表现主观情感和内心感受时，通过笔触和线条的运用能够更加深刻地展现出艺术家的审美情趣和思想性。而在描绘客观事物时，精细的笔触和线条也可以更好地表现出物体的细致和准确。不同的笔触运用，给作品增添了不同的生动性和韵律感，提高了作品的艺术感染力。 油画技法在绘画创作中的表现力主要体现在颜色运用与调和、笔触运用、光影效果和材质纹理四个方面。通过这些技法的运用，油画作品能够更加细腻地表现出物体的形态、质感和情感，增加了作品的艺术感染力和观赏性。不同的油画技法在不同的绘画创作中都有着不同的应用和特点，艺术家可以灵活运用这些技法，创作出更加富有表现力的作品。相信随着时间的推移，油画技法在绘画创作中的表现力将会得到更加充分的发挥和展现，呈现出更加丰富多彩的艺术魅力。

油画艺术在设计中的表现与想象力

油画艺术在设计中的表现与想象力 在当代设计领域中，油画艺术作为一种古老而又充满活力的艺术形式，被广泛 应用于各种设计项目中。它以其丰富的色彩、立体感和艺术想象力，为设计师们提供了独特的表达方式和创意灵感。本文将探讨油画艺术在设计中的表现与想象力。 油画艺术以其浓郁的色彩和丰富的细节，能够给设计作品带来强烈的视觉冲击力。设计师可以借鉴油画的色彩运用，将丰富多样的调色板应用于设计中，创造出独特而鲜明的视觉效果。例如，在室内设计中，设计师可以运用油画的色彩理论，选择合适的配色方案，将不同的色彩进行组合，以达到独特的设计效果。油画艺术的表现力让设计作品更加生动和有趣，吸引用户的眼球并传递出设计师所希望表达的信息。 油画艺术还能够为设计师带来无限的想象力。油画作品常常是艺术家对世界的 想象和创造，每一个油画作品都是艺术家独特的视角和感受的表达。这为设计师提供了一个源源不断的创意灵感的宝库。设计师可以通过欣赏、研究和分析油画作品，挖掘出其中的创意元素，并将其运用到自己的设计中。油画中的线条、形状、纹理和比例等因素，都可以被设计师灵活运用，创造出与众不同的设计作品。 油画艺术中的表现主题和情感也对设计师的创意发挥起到了重要的影响。油画 作为一种艺术表达形式，往往通过描绘人物、风景、静物等来表达艺术家内心的情感和思想。设计师可以从中汲取灵感，将油画作品中的表现主题和情感渗透到自己的设计中。例如，当设计师要设计一个情感丰富的品牌标识时，可以借鉴油画艺术中的表现手法，通过色彩和线条的运用，创造出一个引人深思的设计作品。 油画艺术的创作过程也具有启发设计师的作用。油画创作常常需要艺术家进行 深入的观察、细致的构图和精确的表达，这些过程要求艺术家不断思考和反思自己的创作方式。设计师可以借鉴油画艺术家的创作过程，注重观察世界，发现细节，提高自己的设计能力。通过油画艺术的学习和实践，设计师可以培养自己的观察力、构图能力和表达能力，进而在设计中展现出更高水平的表现力和想象力。

高中美术教案：学习油画的基本绘画技法

高中美术教案：学习油画的基本绘画技法 引言：油画的魅力和重要性 油画作为一种古老而负盛名的绘画媒介，具有独特的魅力和重要性。在高中美 术课程中，学习油画的基本绘画技法不仅有助于培养学生的艺术表达能力和创 造力，还能提升他们的观察力、细致性和耐心。本文将详细介绍高中美术教案，以帮助学生深入学习油画的基本绘画技法。 第一部分：材料和工具准备 在学习油画之前，学生需要了解和掌握基本的材料和工具准备。这些包括绘画板、画布、调色板、刷子、颜料等。在本节中，将介绍每种材料和工具的特点、用途和正确的使用方法。 1. 绘画板和画布 绘画板和画布是油画作品的承载介质。学生可以选择使用绘画板或画布进行绘画，具体取决于作品的要求和个人喜好。绘画板适合练习和小型作品，而画布 适合大型和长期的创作。 2. 调色板和颜料 调色板是用于调配颜料的工具，通常由硬质材料制成。颜料是油画作品的重要 组成部分，学生需要学会使用各种颜料，并掌握调配所需颜色的技巧。在选择 颜料时，学生应根据需要选择不同的颜色和质地。

3. 刷子和其他工具 刷子是进行油画绘画的主要工具之一，根据形状、大小和材质的不同，可以有不同的用途和效果。学生需要学习不同类型的画笔和其使用方法，以及其他工具，如调色刀、铅笔和橡皮擦等。 第二部分：基本绘画技法 在学习油画的基本绘画技法时，学生应从简单的元素和技巧开始，逐渐掌握更复杂和多样化的技法。以下是一些基本的绘画技法，有助于学生在创作作品时获得更好的效果。 1. 素描 素描是绘画基础的一环，通过线条和阴影的勾勒，表现形体和物体的立体感。在学习油画之前，学生应该掌握好素描技法，包括线条的粗细、明暗的运用和透视的表现。 2. 色彩运用 色彩是油画作品的重要组成部分，学生需要学会使用各种颜色和调配技巧。在色彩运用方面，学生可以探索不同的调色方法，如纯色运用、层叠运用和混合运用等，以实现自己想要的色彩效果。 3. 好好利用画笔的效果 画笔是进行油画创作的关键工具之一，学生需要学会运用不同类型的画笔，如扁平刷和圆头刷等，以及不同的画笔技法，如干刷、湿刷和刷头的变化等。

浅析油画创作的构图与表现

浅析油画创作的构图与表现 油画是一种常见的绘画艺术形式，它以油性颜料为主要材料，利用画布或其他绘画表 面进行绘制。在油画创作中，构图和表现是非常重要的部分，它们影响着整幅作品的视觉 效果和艺术表达。本文将从构图和表现两个方面浅析油画创作的重要性和技巧。 一、构图 构图是作品的基础，它决定了画面的整体结构和视觉效果。一个合理的构图能够引导 观众的目光，使整个画面更加有吸引力和表现力。在油画创作中，艺术家需要考虑以下几 个方面来构图： 1. 主题的选择：在进行油画创作时，首先需要确定作品的主题。主题可以是静物、 风景、人物等，艺术家可以根据自己的兴趣和创作目的进行选择。 2. 色彩和光影的运用：色彩和光影是构图中非常重要的元素，它们能够增强画面的 层次感和表现力。在油画创作中，艺术家需要考虑如何运用色彩和光影来突出主题，创造 出丰富多彩的视觉效果。 3. 对比与平衡：在构图过程中，对比和平衡是非常重要的设计原则。艺术家需要考 虑如何在画面中运用对比和平衡的原则，使整个画面更加和谐和美观。 二、表现 表现是油画创作中的关键环节，它体现了艺术家对主题的理解和表达。一个成功的表 现能够使观众产生共鸣，感受到作品所传达的情感和意义。在油画创作中，艺术家需要考 虑以下几个方面来进行表现： 1. 情感的表达：情感是油画作品中的灵魂所在，艺术家需要通过色彩、笔触和构图 来表达自己的情感和理解。在进行油画创作时，艺术家可以通过色彩的选择和运用来表达 不同的情感，例如暖色调可以表现出温暖和欢乐，冷色调可以表现出孤寂和哀伤。 2. 细节的处理：细节是油画作品中的重要部分，它能够增强作品的真实感和表现力。艺术家需要在油画创作中注重细节的处理，使作品更加精致和有深度。 3. 笔触的运用：笔触是油画作品中的重要表现手段，它能够表现出艺术家的个性和 风格。在油画创作中，艺术家可以通过笔触的运用来表现出不同的效果，例如粗犷的笔触 可以表现出力量和激情，细腻的笔触可以表现出婉约和柔情。 4. 主题的深化：在油画创作中，艺术家可以通过主题的深化来增强作品的表现力。 主题的深化可以通过构图、色彩和表现手法来实现，使作品更加丰富和有趣。

中国当代著名女画家闫平静物绘画技法探释

中国当代著名女画家闫平静物绘画技法探释 作者：莫祥莹 来源：《美术界》 2010年第7期 TEXT / 莫祥莹 闫平是中国当代重要的女性艺术家之一，她浓厚强烈的个性语言形成了自己独特的绘画风格。绚烂的色彩、丰富新颖的画面形成了即浓墨重彩又简约温馨的画面效果。她运用了女性特有的观察视角，关注身边的生活，体现自身的生活状态。精心布局又显顺手拈来的画面构成，似乎一气呵成，充满了写意潇洒的韵味，给人一种酣畅淋漓的精神享受。其中记录其琐碎生活痕迹的静物画较为完整的展现了她绘画的艺术特色。 下面将根据闫平的3 幅静物绘画来具体分析其绘画形式语言的特点。通过剖析希望能更进一步了解艺术家的独具匠心，体验其心绪浮动瞬间对画面的精心经营。 一、《等你花开》 绘画是平面艺术，而绘画的历史大部分是在表现空间。闫平的静物作品更多地吸取了现代艺术大师灵活多变的空间表现技法。结合自身的实践形成了其自由多变的空间组合表现手法。 例：图1《等你花开》，画面中央是一个平视视角下的花瓶形象，花瓶下面的桌面则表现出俯视的视觉效果。与桌子紧紧相连的左侧画面是非常隐秘的镜面一角，折射着局部的花瓶和桌面。画家运用多种视角下的空间组合、遮挡和折射主体静物的方法，把在现实中无法出现的空间关系自然和谐地结合在一起。在整体的画面空间布局上，画家基本还是遵循了近大远小、近处清晰远模糊的处理手法，使画面整体上既增加了视觉的丰富性又营造了一种多维与平面结合的空间处理手法。画面出现了即具有装饰意味有不失独具特点的画面效果，这样的表现手法在阎平很多的静物作品中可以看到。 二、《大非洲菊》 凡成功的作品，大都具备清晰而明确的视觉层次，使观众在欣赏作品时有一个顺序。闫平在许多静物作品中喜欢运用满构图与多个视觉点结合的形式，使作品具有丰富的表现形式和历久弥新的视觉魅力。

油画鉴赏方法介绍

油画鉴赏方法介绍 油画是一种以油颜料为主要材料制作的绘画艺术，具有丰富的色彩和细腻的表现效果，它是艺术史上非常重要的一种绘画形式。油画的鉴赏是一项综合性的工作，需要对画家的技艺、主题、构图、色彩以及作品所蕴含的情感和文化内涵进行分析和解读。下面我将介绍几种常用的油画鉴赏方法。 首先，了解画家的技艺和风格是进行油画鉴赏的基本前提。画家的技艺包括线条的运用、造型能力、色彩运用和构图等方面。通过观察画面中的笔触、层次和细节处理等，可以判断画家的技艺水平和创作意图。画家的风格则是指画家在表现主题和情感时所呈现出来的独特的绘画方式和艺术特点。通过对画家的风格进行研究，可以更好地理解和欣赏其作品。 其次，分析作品的主题和表现手法。油画作为一种艺术形式，往往把现实生活中的人物、风景、静物等作为主题进行描绘。在欣赏一幅油画时，我们可以通过对作品的主题和表现手法进行分析，来理解画家想要表达的思想和情感。主题可以通过作品中的人物形象、景物或符号等来体现，而表现手法则包括透视、构图、色彩运用、绘画技法等方面。 第三，注重色彩的鉴赏。油画具有丰富的色彩表现力，通过对色彩的运用可以表达出画家对主题的独特见解和感受。在鉴赏一幅油画时，我们可以通过对色彩的明暗、冷暖、亮度和饱和度等方面进行分析，来理解画家对画面氛围和情感的表达。同时，还可以通过色彩的对比和层次来增加画面的空间感和立体感。色彩是

油画的灵魂，通过对色彩的鉴赏，可以更好地欣赏和理解一幅油画作品。 第四，重视构图和绘画技法。构图是油画中的重要环节，它决定了作品的整体结构和形式美。通过对作品的构图进行分析，可以了解画家的构图意图和整体布局。绘画技法则是画家在绘画过程中所采用的技巧和手法，它在一定程度上反映了画家的思维方式和艺术追求。通过对画家的绘画技法进行研究，我们可以更好地理解并欣赏作品的艺术价值。 最后，探究作品的情感和文化内涵。艺术作品往往蕴含着丰富的情感和文化内涵，通过对作品所表达的情感和文化内涵的解读，可以更好地理解和欣赏艺术家想要传达的信息和意义。在鉴赏一幅油画时，我们可以通过作品中的形象和符号等元素，来推测画家所想要传递的情感和主题，从而更好地欣赏作品的内涵。 总之，油画的鉴赏是一项复杂的工作，需要对画家的技艺、风格、主题、色彩、构图、绘画技法以及作品所蕴含的情感和文化内涵进行全面分析和解读。通过以上几种常用的油画鉴赏方法，我们可以更好地欣赏并理解油画作品的艺术价值。希望这些方法对您的油画鉴赏有所帮助。

[卡特林,装饰性,静物]谈卡特林的装饰性色彩静物探究

谈卡特林的装饰性色彩静物探究 贝尔纳卡特林(1919-2004) 出生于法国巴黎，他一生热爱并忠于油画、石版画和挂毯等艺术创作。绘画题材基本由风景、人物和静物构成，其艺术风格简约精炼。桌上的花瓶、水果，厨房里的柜橱都是他的描绘对象，他的作品有着浓郁的色彩关系和他所特有的画面构成，其厚重的肌理效果，让观者切身体会到他对生活的情感表达。 一、独特的艺术造型简化 20 世纪以来，绘画突破了许多传统形式，不再追求过多的丰富细节。卡特林不拘泥于所画对象的细节描摹，着眼于大关系，概括所画对象的具体形象，始终把草图视为整幅作品的结构奠定。他喜欢构图时所画的轮廓线，笔在纸上，简单勾勒，一个诗意的宁静世界就跃然而生。 马尔凯说，他厌恶那些表面上看来已趋于完美的东西，正如他仇视谎言一样。这话意味着，对一位画家而言，任何事物都不是静止不变的。在卡特林的绘画作品中，我们可以看到他常常运用自我观察方式，使画面摆脱了多余的细节，将物象简化，使造型接近于平面化。 在卡特林的画中，所有的物体都表现得简洁明快，舍弃了物象表面的质感、反光、投影，作品构图大胆，造型夸张简约，背景与物体都运用平面化的处理手法。在他的作品《白色背景下的玫瑰》中，我们可以看到完全平面化的处理方式，使作品更加具有装饰性的效果。他将物象几何化处理，形体简化到极致，让人感到恰到好处，没有一丝一毫多余的东西。同样，在《黑色瓶子与水果静物写生》这幅作品中，在黑色和红色的块面组合中，桌子上的瓶子与背景一样完全趋于平面化，作品不做过多琐碎的修饰，只注重形象、色彩的整体性和画面的层次，直观地表达出卡特林的内心世界与艺术追求。 二、精简的空间形式语言 绘画是人类用图像语言对客观物质的存在方式及物质意识形态的一种主观性探索，纯粹是卡特林艺术作品留给观者的第一印象。在卡特林的具体作品中，我们可以看到空间是一个永恒的探索命题。在他的构图中，我们察觉到一种严谨的态度，这种看似轻松生动的笔触，都是他深思熟虑后的产物，他的作品里充满了浓郁的人情气息。 苏珊格朗曾在《情感与形式》一书中写道：一幅画是一个完整的视觉区域，它的第一个作用便是创造一个独立的、内容齐备的感性空间。绘画空间不仅仅是由色彩、形状等因素组合而成的，它还是一种创造性的空间。 卡特林擅长运用色块重叠、大小色块组织的方法，打破焦点透视加深画面空间感，冷静而又科学地理性安排画面的构成空间。在《黑色背景下的玫瑰花》这幅作品中，我们可以看到花瓶作为主体物位于画面的右半部分，黑色与白色的色块对比作为背景使画面具有强烈的形式感与装饰趣味。他的平面化处理手法是对空间的深度压缩，也使作品更具艺术性。 对于物理学家来说,一个物体上所承受的各种力能够相互抵消,那么这个物体就处于平衡状态了。作用力与物体上的力大小相等、方向相反时,就产生了物理意义上的平衡。根据阿恩

浅谈静物油画蕴含的艺术之美

浅谈静物油画蕴含的艺术之美 摘要：对于艺术爱好者而言，静物油画是他们进入油画艺术世界的门槛，也是探索艺术的一种尝试。现代静物油画通过多年来的创新及发展，其文化内涵越来越丰富，而且表现出来的艺术魅力也越来越独特，为了进一步深入领略静物油画蕴含的艺术之美，本文主要从几个不同的角度赏析了静物油画的艺术之美。 关键词：静物油画；艺术之美；色彩；情感之美 静物油画是绘画学习者非常熟悉的一个主题，不管是从前还是后现代的画家都涉猎过静物油画这个题材，在美术行业发展的历史长河中，静物油画一直都散发着自己独特的艺术光辉。我国现代油画艺术经过多年来的沉淀已经取得了很大的发展，并且发展成一种独立的艺术形式，通常静物油画创作的描绘对象都和人们的日常生活具有紧密的联系。因此，取材简单、广泛，不仅可以将人们的真实生活客观地反映出来，表达人们内心的思想情感，而且也可以很好地表达画家对于现实生活中艺术美的追求，这对于提升画家的审美品质以及艺术涵养具有极其重要的现实意义。为了进一步开拓画家的艺术生涯，非常有必要研究分析静物油画中蕴含的艺术美。 一、静物油画静物的生命之美 一直以来，静物油画创作对于画家的心灵感受以及绘画语言都比较注重，虽然静物油画描绘对象都是各种各样静止不动的静物，但是也应该将静物画得形神具备、栩栩如生，让观赏者感觉画中的“静物”如同“动物”一样，应该使油画看起来有品质、极富情感，有生命，进而使人深切地感受到静物油画中静物的生命之美。画家在创作静脉油画的过程中，首先一定要仔细观察物体，并且用心细心去体会，将自己的真情实感融入到创作中，进而通过恰当的艺术手段以及表现形式有机结合客观的物象和主观的情感，充分体现出静止物象自身的本质特征，使人们感受到艺术的生命之美。比如，如果描绘一个长颈玻璃花瓶以及一个陶瓷，在绘画创作的过程中，画家一定要用心地一笔笔添加，每一笔都要融入自己的真心情感，一幅幅地进行创作，创作出来的每幅画都应该有其自身的意境情调，进而使描绘出来的花瓶显得温柔、细腻又高贵，描绘的陶罐显得平和又朴素，让人有一种充满生机、生命力比较强的感觉。 不管是什么表现形式的艺术都源自生活，因此现实生活也是艺术的创作主体，这也决定了静物油画创作具有强烈的艺术之美。比如，塞尚创作的《有水果篮子和桌子的静物》这幅静物油画作品中，他在创作的整个过程中都融入了自己的真实情感，也始终贯穿了生命主题，赋予了画中静物，如桌子、篮子、水果等物体生命，使油画中的静物显得更有精神和生机，这实际上也可以体现静物的“静”之美。塞尚油画中描绘的每一个静物形体体面具有非常明确的转折，而且体面比较坚实，这也体现出了很强的体积感及空间感。这幅油画作品中每个静物表面上结构都非常稳定，基本上可以视为静止不动的，但是只要用心赏析、品味，就会有一种静中有动的感觉，使人领悟到静物的生命之美。同时，还有一位著名

油画中静物的表现技法和审美价值

油画中静物的表现技法和审美价值 油画是一门讲究技法和艺术表现力的艺术形式。其中，静物画是最为常见的一种油画作品。静物画通过描绘人工物品，诠释自然界的美感与实用性，展示独特的审美价值和艺术风格。近年来，静物画的表现技法和审美价值也逐渐得到广泛关注和研究。 一、静物画的表现技法 静物画最基本的表现技法包括比例、构图、光影和色调等方面。其中，比例是绘画时最为基础的技巧。正确的比例可以确保画面的整体和谐和准确性。构图则包括画面中物品的安排和组合。小巧清新的物品通常更适合在留白之处进行组合，这样可以使整个画面更加优美和协调。光影则是画面中最为关键的表现手法。通过对明暗的掌握，画家可以塑造出物品的质感和立体感，使画面跃然而出。色调则可以用来加强画面的整体渲染和表现氛围。 此外，静物画的表现技法与绘画材料和表现手法也息息相关。好的画家需要根据自己的审美目标和创作意图选择适合自己风格的颜料和油画画布。表现手法则包括文字、油画笔刷、颜料和油画画布的组合使用。通过灵活运用表现手法，画家可以更加自由地表现自己的艺术创意和表现手法。 二、静物画的审美价值 静物画的审美价值可以从多个角度来阐述。首先，静物画展示了物品的艺术内涵和生命力。一件被放置在画面中的物品并非只是一个实际的物体，而是画家对物品的感悟和认识。画家可以通过静物画的表现技法来表达甚至塑造出物品的灵魂和寓意，使其被赋予更加深刻和广泛的内涵。这些被描绘出来的物品也具有独特的生命力和想象力，使观者对其产生深深的共鸣和感受。 其次，静物画强调了空间性和色彩的对比和和谐。一件好的静物画作品通常需要画家在构图、色调和明暗方面做到平衡和和谐。画家需要通过巧妙地运用空间给

本科生毕业论文——浅析静物油画

毕业论文（油画） 题目：浅析静物油画 性质: □毕业设计□毕业论文 学院艺术学院 专业美术学 班级 2008级X班 学号 081XXXXX 姓名刘XX 指导教师 二〇一二年五月二十日 摘要 静物画，源于荷兰语（still-leven），是绘画人喜闻乐见的一种艺术表现形式。现在我们研究的静物画英文名称为still-life，我把它理解为具有永恒静止生命的物体为题材的绘画，即以物画物，借物抒情。静物是画家表情达意的重要手

段，也是物体、艺术家和观众最直接沟通的桥梁。如夏尔丹、塞尚、凡高、莫兰迪、毕加索等一个个闪光的名字和他们不朽的作品，足以让我感到静物画所承载的文化内涵的力量，以及他带来的独特的震撼力。本文从美术史的角度重点阐述了油画静物的发展史，并着重对几位静物大师的艺术活动史料的分析，论证了通过艺术家主体对静物生命的独特感悟经油画色彩语言这种重要的形式要素来阐述表达的。同时结合自己的创作把自己对静物油画的体会写在本文中。 关键词:静物油画静物油画艺术创作 ABSTRACT Still lifes, from a Dutch (still-leven), is a popular man painting art forms. Now we study English name is still lifes still-life, I understand it has eternal life for static objects of the subject of painting, namely to thing picture content, borrow things lyric. Still life is an important means of painter communicates, is also object, artists, and the audience is the most direct communication of the bridge. If XiaErDan, Cezanne, and van gogh, Picasso's giorgio, wait for each flash name and they immortal works, enough to make me feel still lifes conveys the power of the culture, and he brought the power of unique. This paper, from the perspective of the history of painting is focused on the history of the development of the still life, with the focus on a few master the art activities of the still life of the historical materials of the analysis, demonstrates the main body to the still life by artists of life by the oil painting language comprehension unique color in this important elements to this form of expression. In combination with his creation of the oil painting the still life experience in this paper to write.