论艺术作品内容与形式的关系

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论艺术作品内容与形式的关系

作者：孟硕

来源：《参花（下）》2019年第05期

摘要：在形式与内容的相互作用中可以发现，形式相对于内容具有独立的审美价值。它可以单独被作品作为其独特的艺术价值来欣赏和研究，内容也具有独立的审美内涵，呈现出特定故事情节的独立构思和思想。它们同时是相互依赖的，形式是实现内容的前提和基础，内容是深化形式的必要过程。二者是密不可分的，共同作用于艺术作品中，构成了作品的基本要素，在美術领域更是如此。本文将以美术领域有代表性的艺术作品为例，结合自己的创作实践，从艺术作品中论证内容与形式的关系。

关键词：内容形式艺术作品美术领域

在艺术作品的创作中，可以简单概括为是由形式与内容所构成。如果一幅作品构思的确立没有一个完整成熟的形式，那么自然也就无法在其基础上赋予恰当的主题内容。可以说，形式与内容直接影响着艺术作品风格的成败。因此，在具体的艺术创作中，它们是不可分割的，也就是说，形式离不开内容，内容也离不开形式。纵观世界艺术园林，凡是优秀的艺术作品，其表现内容和表现形式必然是相辅相成，相得益彰的。

每每谈到艺术作品内容与形式的关系，自然而然地想到一个画家的故事。清朝画家李方膺在朋友家做客时，其中一人感叹大千世界什么东西都能画，就是风画不出来。李方膺却不以为然，在全场客人好奇地观看下，李方膺画出一张“风”。只见画面上有簇坚韧茂密的竹子，很用力地向一边倾斜着，使人一看就强烈地感到有一股狂风在呼啸着吹过，似乎还能听到竹叶互相摩擦的沙沙声。无形无影的风被李方膺画得好像看得见，摸得着，在场的人无不连声称赞。自此以后，“画风”变成了耐人寻味的趣话。李方膺曾曰“画史从来不画风，我于难处夺天工”，他为什么能在难处“夺天工”？这是笔者常常思考的事。在近十年的美术学习过程中，笔者渐渐感悟到艺术作品只有做到内容与形式的高度统一，才能在难处夺天工。

笔者结合自身的创作学习经历，认为艺术作品内容与形式的关系如下。

一、内容决定形式

在实际的艺术创作过程中，我们往往根据作品的内容来寻找恰当的表现形式。红花要有绿叶衬，一花独放不是春。在自然界中我们有所感悟，我们要借助“竹”“叶”等形式凸显内容。从学画画开始，美术老师就谆谆教导我们先确立作品内容，再思考有效的方式。记得参加学校研究生复试时，专业测试要求画学校门口。为突出这个内容，我勾勒出学校大门，更多地突出家长接送学生的各种神态。不在全景着笔，重在采取哪种形式更能突显作品内容。任何形式都渗透着内容，都突显着内容的诉求。在生活中我们离不开的手机也是艺术作品，乔布斯追求“极简”的艺术形式的同时，还使苹果手机各项功能展现得一览无余，更使“销售”这一主题在全世

浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响

浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响 摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。 关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画 随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。 一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠

覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发创作灵感。 马蒂斯是19世纪法国野兽主义绘画的杰出代表，他对

论艺术作品形式的意义

论艺术作品形式的意义 艺术作品的意义是现代艺术学的中心命题之一。“意义”一词是由“意”和“义”二字构成的、“意”有猜测，意图等方向的意思，重点指的是主观意向方面的意思；是“宜”的意思，即适宜、合宜的意思，强调的是一种契合与实现。主观的“意”在于生发，客观之“义”却在于一种契合。因此“意义”乃是主观与客观、自我与社会的统一，是精神或潜在意向的生成与实现。 近20年来，随着现当代西方美学和文艺学理论及方法的引入，国内文论界又涌动着一股逆向的思潮：将形式规定为美和艺术的本质或本体所在。问题不在于艺术有无内容和形式的不同层面，也不在于谁决定谁，而在于形式在艺术这一人类精神创造成果的整体存在中处于怎样的状态，对它的理论描述如何才能恰当地进行，以期提供对艺术审美与鉴赏的合理认识。 关于艺术形式的内容和形式： 艺术作品内容：其构成因素有两个，一是艺术家在艺术作品中所再现的社会生活，一般称之为艺术作品的题材；二是艺术家对所再现的社会生活的认识与评价及由此产生的思想感情，一般称之为艺术作品的主题。 艺术作品的形式，就是作品内容的组织结构和表现手段的总和。艺术作品的形式包括两个因素：一是艺术作品的组织结构；而是艺术作品的艺术语言。 艺术作品内容与形式之间的关系： 1.艺术作品内容与形式的关系 在艺术创作过程中，艺术作品的内容决定形式的产生。艺术家在创作过程中或根据雇主的需要或为生活中的某件事而激动产生了创作欲望，确定了作品的内容，最后根据内容的需要去寻找恰当的表现形式。达·芬奇的《最后的晚餐》为了突出即将受难的耶稣，因而画面用上了对称的构图，将众人分为两个小组安排在位于画面中心耶稣的两侧，使其成为中心人物，因而这幅画的形式是由它的内容所决定的。 2. 形式反作于内容 形式不是消极的，被动的，而是积极能动的反作用于内容。齐白石的《墨虾图》在构图的处理上让人感觉到虽不画水但却有水的奇妙，使人感觉到“气韵生动”“以形写神”的境界。 关于艺术作品的形式和内容的关系问题,其争论的焦点在于:(1)在艺术创作过程和艺术接受过程,形式和内容究竟是内容决定形式还是形式决定内容? ( 2)不同艺术类型中,内容和形式之间的关系如何？ 任何一个具体的艺术作品都是内容与形式的统一，内容与形式是相互依存密不可分的。任何形式都渗透着内容，任何内容都通过形式显现。这说明艺术作品内容与形式是相互依存密不可分的。而且任何一幅优秀的艺术作品都是具有内容与形式的完美统一性，任何形式主义和形式虚无主义都会对优秀的艺术作品形成一定的阻碍。在内容与形式的关系上，存在着形式主义和虚无主义两种偏颇的观点，这两种观点都是对艺术作品中内容与形式孤立而又片面的看法，都会对一件艺术作品的最终成功造成一定的影响。这是一种割裂艺术作品内容与形式的关系所导致的错误。所以，我们要在这两者之间找到一个完美的平衡，来让完美的艺术形式与进步的内容有机统一。 关于艺术形式美的研究一直是久经不衰的重要课题。美学家从审美经验出发, 对形式美提出各种看法。有的从心理学的角度谈形式美有的从艺术本质的角度谈形式美有的从符号学角度谈形式美有的从“ 有意味的形式”来谈艺术形式美。不管从哪个方面讲, 我们都不能脱离社会历史的现实内容, 脱离艺术的整体表现去片面地追求艺术形式美。艺术形式美的价值是对人而言, 一种形式以及形式的组合, 如果要成为美的, 就必须对人类的精神美有价值。克莱夫· 贝尔认为艺术家的手必定是受到了将他强烈而确切地感觉到的东西表现出来的需要的指导, 他一定还在追求把他在心醉神迷之中的所受到的东西变换成物质形式。因此, 那种只是通过修修补补而完成的形式, 必定是很糟糕的形式。而且并非出于情感需要而搞出的形式, 那些按照制图理论搞出来的形式, 那些摹仿自然客体或其他艺术作品的形式, 那些只是为填充空间的形式实际上就是为了打补丁的形式, 都是一文不值的形式。”也就是说, 只有当形式所提供的信息正好与我们对事物的某种本质的审美认识和体验相一致或相接近时, 这种形式就能引起人们的审美感情。因为事物的本质是通过人们的认识和理解显现出来。艺术作品的审美特质是艺术家主体精神与客观美的本质相交融的结果, 如音乐作品的形式因素按照一定的艺术规律, 传达一定的精神信息, 构成特定的艺术境界, 引起人们的共鸣, 才能获得动人的艺术效果。这时候的艺术形式已不是单纯的形式,而是有了特定的含义。因此, 只有当恰当的含义与形式共同构成的意境, 也就是完整形式的美, 才能真正使人得到美的感受, 从而实现对自我价值的发展和肯定, 去发现、创造出更好的艺术作品, 推动艺术向更高层次迈进和发展。 总而言之，形式在艺术创作和欣赏的人类审美活动中，具有特殊的、本体存在的意义。审美感受从一开始就是一种关于形式的感受、组合、构建的创造性活动，内容及精神意味的传达始终是伴随着艺术家和审美者对形式的构建活动来进行的，其成果也必须是某种精神形态的鲜明可感的物化形态，或者称其为“有意味的形式” (克莱夫·贝尔)、“情感的形式” (苏珊·朗格)、抑或为符号学意义上的“艺术符号”。总之，没有形式以及艺术家对形式的创造性掌握，就没有审美活动，或者其符号的建构是非审美的。

艺术作品的内容和形式的辩证统一

艺术作品的内容和形式的辩证统一 １、如何理解内容决定形式，形式服从于内容？ 在艺术构思中，形式是追随内容的变化而变化的。作品有怎样的内容，就会呼唤适合这内容的表现形式，而特定的形式也往往是为特定的内容服务的。这种内容决定形式的观点是建立在创作过程中内容与形式是割裂开来的基础之上的，即艺术作品的内容在未物化为形式之前。事实上，在艺术创作过程中，内容与形式是统一在一起的，艺术形式总是以积极能动的方式服务于内容，而且其自身也有相对的稳定性和独立性。所以，我们说内容决定形式，形式服从于内容，实际上这是从艺术创作过程的角度来考察两者的关系而得出的结论。 ２、如何理解形式的能动性和相对稳定性？ 艺术形式总是以积极能动的方式服务于内容，而且其自身也有相对的稳定性和独立性。 形式的能动性，首先，表现在每个不同的艺术家，在选择创作题材时，总会自觉或不自觉地按照自身把握艺术语言的特长来加以取舍裁定，一般不会强己所难而为之；其次，还表现在选用不恰当的艺术形式，对于内容的表现，不仅不能使之增色，反而会糟蹋内容、歪曲内容。 艺术作品形式的相对稳定性，首先，表现在某一种类型的作品，在将形式剥离内容后依然可资利用的继承性上，即鲁迅所提出的“旧瓶装新酒”；其次，还表现在有些艺术作品形式的美，可以抽取出来，构成相对独立的审美价值。 ３、艺术作品内容和形式的辩证关系是怎么体现的？（如何理解艺术作品的内容与形式的辩证统一关系？） 在具体的艺术作品中，内容和形式是不可分离的统一体的两个方面，内容是有形式的内容，形式是有内容的形式。艺术作品的内容与形式是对立统一、相互包容、相互转换的关系，两者都以对方的存在而存在。 1、从艺术创作过程的角度来看，内容决定形式，形式服从于内容。作品有怎样的内容，就会呼唤适合这内容的表现形式。 2、艺术形式总是以积极能动的方式服务于内容，而且其自身也有相对的稳定性和独立性。所以，从艺术鉴赏即接受角度来看，艺术作品所呈现出来的是形式，这形式被认知、被体验了就是内容，所以，形式又先于内容、决定内容。（1）首先，艺术欣赏必须从对形式的解读、感受开始，进而才能达到对内容、意蕴的把握。 （2）其次，形式是内容的外观，形式的好坏直接影响对内容的欣赏。 （3）另外，从接受角度来看美术、电影、音乐等作品，它们的形式自身就是内容

内容与形式的结合

内容与形式的结合 内容是事物的内在诸要素的总和；形式是内容的存在方式，是内容的结构和组织。内容和形式是辩证统一的。没有无形式的内容，也没有无内容的形式，内容与形式是叠态的影像。内容决定形式，形式依赖于内容，并随着内容的发展而改变。但形式又作用于内容，影响内容，当形式适合于内容时，它对内容的发展起着有力的促进作用，反之，就起严重的阻碍作用。综合实践活动中进行“两型社会”教育，将实现内容与形式的有机结合。 一、综合实践活动 如果说素质教育的提出带来了中国教育的“第一个春天”，那么2001年，教育部为贯彻《中共中央国务院关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》（中发[1999]9号）和《国务院关于基础教育改革与发展的决定》（国发[2001]21号），提出构建符合素质教育要求的新的基础教育课程体系，迎来了中国教育的“第二个春天”。其中增设的综合实践活动课程是实施素质教育最直接的途径。 《国家九年义务教育课程综合实践活动指导纲要》对综合实践活动的性质作出了明确的界定：“综合实践活动课程是基于学生的直接经验，密切联系学生自身生活和社会生

活，注重对学生知识技能的综合运用，体现经验和生活对学生发展价值的实践性课程。”具体来说，综合实践活动课程是指以学生的兴趣和直接经验为基础，以自然、社会和学生自身生活中发现的问题为内容，通过小组合作的形式，分析问题、解决问题，以培养学生创新精神、实践能力为主要目的的课程。综合实践活动课程尊重学生的兴趣、爱好，注重发挥学生的创造性；以问题为主要内容，以活动为主要形式，以实践学习为主要特征，以自身发展为最终目标；面向学生的生活世界，关注学生多样的学习体验和能力的提高。 综合实践活动课程的管理相对灵活，实行国家、地方、学校三级管理。由国家统一制定课程指导纲要，地方教育行政部门根据本地的特点，制定课程实施标准，学校根据自身的发展规划，进行相应的校本开发和实施。因此，综合实践活动的实施，主要分为三种类型：一是以自然科学和社会科学为对象的研究型活动，包括制定方案、观察、实验、调查、访问、统计、信息收集与处理等；二是以社会实践和社区服务为主的实践型活动，包括参观、考察、服务、宣传、义务劳动、经济活动等；三是以项目设计和技术实践为主的设计型活动，包括设计、制作、研制、种植、养殖以及科技小发明、小制作等技术实践，进行大胆创新。这三类实践学习活动可以相对独立，更多的是相互融合，相互贯通，全面提高学生的素质。

浅谈摄影作品的内容与形式

浅谈摄影作品的内容与形式

浅谈摄影作品的内容与形式 我们经常会看到一些摄影作品，不能说它不好，但也说不上好在哪里，显得平淡、普通，缺乏亮点，打动不了观者的心弦。这种感动观者的感觉，就是摄影画面形式上的先声夺人。摄影主题及内容通过形式这一载体，传达作者所表达的主观意图。 怎样的摄影作品才能打动观者的心弦？ 一幅优秀的摄影作品应该具备鲜明的主题，内涵深刻，通过简练的元素交代环境，深化主题。除此之外就是强烈的形式美感，以达到渲染气氛，强化视觉冲击的作用。 在摄影大赛评选过程中，面对成千上万的参赛来稿，能够在短暂的瞬间吸引评委眼球多停留哪怕一秒钟的就靠画面的形式感，所谓抢眼，视觉冲击力。其实任何艺术作品往往都具备自身特有语言所表达的内容与形式，语言艺术、表演艺术以及造型艺术，无不如此。 那么什么是摄影的内容和形式呢？ 内容，亦即摄影作品所要表达的主题，这个主题可以是自然景观，也可以是人文生活，大千世界，包罗万象。主题充分反映了作者对自然美、社会美的主观思想和看法； 形式，则是艺术作品所用来表达的一种技巧与手段，不同的艺术赋予了自身所独具的一套形式表达规则。音乐的形式就是借助音符制造出旋律，舞蹈的形式就是用人的肢体语言塑造变化的形象。而摄影的形式表达主要就是运用摄影所特有的语言来进行，借助画面的构图、光线、影调、色彩、线条以及质感等诸多元素，营造出具有审美价值的能够为众多观赏者所接受并从中得到审美愉悦的一种方法。 艺术作品的内容与形式，两者关系紧密，相互依存，共同担负起对作品塑造的功能。 一．摄影作品的内容和形式根据摄影的不同属性和分类而有所侧重摄影总的来讲可以分为两大类，既忠实、客观的记录功能和艺术创作功能。其纪录功能的属性往往被应用在科研领域的资料拍摄及新闻媒体的社会人文纪实报道等，尤其是后者，照片的要求着重在于画面的真实性和时效性，从而把

浅谈关于数字绘画艺术发展的思考

龙源期刊网 https://www.docsj.com/doc/ff3100702.html, 浅谈关于数字绘画艺术发展的思考 作者：郭雅璇 来源：《戏剧之家》2018年第20期 【摘要】绘画作为一门几乎可以与人类文明史比肩的悠久门类，在数字绘画艺术时代悄 然出现并迅速发展壮大，成为席卷全球的绘画新学科在发展的过程中面临着许多机遇和挑战。以其涉及领域广，创作平民化，传播途径丰富等特点，现如今各个专业领域中数字绘画拥有话语权。那么，数字绘画艺术是如何在如此短的时间内成为炙手可热的话题的？ 【关键词】数字化；数字绘画艺术；传统绘画艺术 中图分类号：J2 文献标志码：A 文章编号：11007-0125（2018）20-0147-01 一、数字绘画艺术的特征 从创作方式来看，不同于传统绘画的工序繁琐和材料成本昂贵，数字绘画的创作手段更加简单和平民化。一台电脑，一个数位板便可以成为一个创作者的“造梦空间”。这使绘画这门学科走下神坛，为数字绘画艺术行业的繁荣提供肥沃的土壤。加上近几年数字产品的不断创新（如ipad pro具备可使用平板电脑直接绘画的功能等），不管是对艺术有兴趣还是日常娱乐消遣的人们都有机会接触和了解这个领域，更使创作方式平民化走向新的高度。 数字绘画艺术的可延展性是其最重要的特征之一。领域相对于传统绘画艺术的平面线性扩展而言，呈三维发散式扩展。除了我们常见的领域如平面设计、工业设计、室内设计、广告、电影、杂志等，数字绘画艺术仍然在继续发掘新的可能性。近几年有艺术家们开始利用VR技术创作艺术作品，每每都会在社交网络中引来巨大的关注度，足以证明这些新兴科技会给数字绘画带来源源不断的新议题。 平民化和快速占据艺术市场等特征带来的缺陷也日趋严重。特别在我国，大多数人在没有接受过艺术教育和版权意识薄弱的情况下被动地与数字绘画的各个门类接触，抄袭、盗图、侵权等问题屡见不鲜；数字绘画质量参差不齐；数字绘画作品的普遍廉价化；专业数字绘画教育的空白，数字绘画艺术的弊端也在它超高速发展壮大的过程中比以往任何一门新类别更快地显露出来。 二、数字绘画艺术在当前形势的作用 数字绘画艺术以其强大的渗透力和生命力成为商品经济时代下的主流创作方式，在艺术创作方面也不甘落后。虽然数字绘画艺术在发展过程中最大限度地挤压了传统绘画艺术的生存空间，再加上它自身的种种缺陷，但基于总体更符合当今社会的发展趋势需要，传统绘画艺术在数字时代的巨大冲击下“半推半就”地接受了这个新成员。实际上传统绘画与数字绘画并不是站在对立面，而是互相影响的关系。数字绘画艺术的出现为传统绘画艺术提供了更为便捷和性价

论艺术作品的形式与意义

试论艺术作品形式的意义

[摘要]形式在在审美活动中的重要性首先在于，它不是美学和文艺学的一般概念，而是关系到审美和艺术的本体意义上的概念。形式构成的艺术魅力就在于既直观鲜明，又不是一览无余，它既营造物象，表达视觉感受，又反映主观意念诉诸精神和思想。完美的作品必然是内容、造型、色彩、形式诸因素的协调结合。 [关键词]艺术作品形式美内容意义 一个艺术作品的形式，相当于一个艺术家的存在形式，也是他的本质。如“他写下的诗，就是他的本质。”同时也可以把作品的存在，归纳为形式的存在。构成艺术作品的材料，在其尚未构成作品时，其价值只存在于可塑性。但一经艺术家之手，具备一定的艺术形式之后，材料不成为材料，而是构成作品的形式了。它体现着艺术家本身的价值，以及艺术的价值。 形式在艺术作品中是个结构繁复的整体（或者说是组织）。那些独立的、不可确定和不可改造的内容，还有艺术家的语言和表达惯例（即可以称之为风格的那些东西）在艺术作品中表现为作品的具体形式。我们所看到的一个人的行为、谈吐和行事方式，是一个人的整体形式。除此之外，我们还能看到些什么呢？——那些真正属于他本身的东西，而不是简单地分割成外在和内在两方面。 一、艺术形式的特点 艺术形式包括两个层次：一是内形式，即内容的内部结构和联系；二是外形式，即由艺术形象所借以传达的物质手段所构成的外在形态。在任何艺术作品中，内形式与外形式是结合在一起的，只有通过一定的艺术形式，艺术作品的内容才能够得到表现。艺术形式具有意味性、民族性、时代性、变异性等特点。构成艺术形式的要素有：结构、体裁、艺术语言、表现手法等。 艺术形式是为艺术内容服务的。艺术内容离不开艺术形式，同时艺术形式也离不开艺术内容。没有无形式的内容，也没有无内容的形式。一般说来，艺术内容决定艺术形式，艺术形式表现艺术内容，并随着艺术内容的发展而发展。但艺术形式可以反作用于艺术内容，既可以有助于艺术内容的完美展示，也可以阻碍艺术内容的充分表现，影响艺术社会功用的有效发挥。 艺术形式具有相对的独立性。例如同样的内容在某种情况下可以采取不同的艺术形式去表现，艺术形式在艺术发展中有继承性等等。衡量一部艺术作品的艺术成就，不仅要看内容，而且要看其形式是否完满地表现了内容。艺术形式是不断发展变化的。杰出的艺术家总是根据艺术内容发展变化的需要，批判地继承改造旧的艺术形式，创立与新的艺术内容相适应的新形式，从而创造出具有鲜明时代精神和富于形式美的优秀艺术作品。 二、艺术作品形式与内容的关系 关于艺术作品的形式和内容的关系问题，是一个历久弥新的话题。多年以来，国内学界，尤其是美学、文艺理论界多从哲学的意义上界定艺术的所谓与“内容”相关的：形式：，认为艺术品的形式总是与一定的内容紧密联系着，并从一般哲学意义上推导出艺术作品的内容决定形式的性质和状貌的观点，因此，为某种本质的内容找到恰当的反映形式是艺术唯一正确的出路。从这一观点出发，形式常常被规定为美和艺术的组成要素，或被单纯地规定为操作技术，甚至被贬抑为无足轻重的附庸、外表或包装…..。所谓：“思想内容”和：艺术形式：常常是多年来礁石分析艺术作品的不二法宝，以这种理论模式进行批评的文章成为不可移易的典范。至今出版的各种美学与文学概论教材亦没有完全离开这一理论模式。 近20年来，随着现当代西方美学和文艺学理论及方法的引入，国内文论界又涌动着一股逆向的思潮：将形式规定为美和艺术的本质或本体所在。问题不在于艺术有无内容和形式的

民间艺术的色彩搭配

课题：《民间艺术的色彩搭配》 教材名称：人美版十四册第七课 教学年级：七年级 课时：一课时 教具准备：民间工艺品、多媒体课件等 学具准备：水彩笔、油画棒等涂色工具 教学目标： 1、知识目标：了解民间艺术色彩搭配的主要特点，学习运用对比的手法进行创作。了解民间艺术常运用丰富的寓意、夸张的手法来抒发人们心中美好的祝愿。 2、能力目标：学会初步欣赏民间艺术的能力。通过对问题的研究，培养学生自主学习的能力。 3、情感目标：理解民间艺术的文化内涵，增强爱国主义和民族自豪感。 教材分析： 《民间艺术的色彩搭配》是人美版义务教育课程标准实验教科书《美术》十四册中的第七课。民间艺术是中华文化的一个重要组成部分，主要来源于劳动人民之手，以其视觉上的优势，运用最自发、最乡俗的艺术语言，完美地体现了民间意识形态中最美好的理想和愿望，包含着丰富的历史、文化、民俗和审美心理的积淀。 本章节的内容，内涵较深，相对于当代学生来说，距离较远，学生往往觉得民间美术土、粗、俗，要使学生对其认可并喜欢，必须先使学生对其深度有一定了解，所以，教师绝不能照本宣科，只就色彩谈色彩，应从民间美术的内涵入手，加深对民间美术的了解，增强兴趣，进而感受民间美术的形式美感，探讨民间色彩搭配的规律。是否能把学生从肤浅的认识带入到对民间美术理解的氛围中，是本课成功与否的关键。 教学重点：明确民间艺术色彩搭配的主要特点 教学难点：了解民间美术作品是怎样运用色彩的强烈对比手法的，分析不同的色彩搭配体现的文化内涵。 教学过程： 一、组织教学 常规：目光巡视学具准备，稳定学生学习兴趣。 二、导入新课 同学们，你们好。很高兴认识大家，希望我们共处的这一节课愉快而又难忘。

浅谈中国绘画艺术的独特性

浅谈中国绘画艺术的独特性 发表时间：2012-07-17T10:51:57.700Z 来源：《新校园》学习版2012年第4期供稿作者：孟庆杰 [导读] 中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富. 孟庆杰（长垣县实验中学，河南新乡 453400 ） 中国绘画艺术历史悠久，源远流长，经过数千年的发展变化，创造了丰富多彩的、具有鲜明民族风格的多种手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，相对西洋画来说，有着自己显著的特征。 一、中国画体现了中华民族传统的哲学观念和审美观 在对客观事物的观察认识中，中国画往往不像西洋画一样讲究以形写形、比例匀称。传统的中国画不讲究焦点透视，也不强调自然界对物体的光色变化，不拘泥于外物的肖似，而是讲究“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，从而抒发作者的主观情趣。它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然景观，在观察认识当中，也不自觉地与作者的审美情趣和社会意识相联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。 二、在艺术手法和艺术分科上，中国画有其独特特征按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔 ”。而写意则是相对“工笔”而言，是用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。 三、中国画在构图、透视方法、用笔、用墨、敷色等方面有自己的特点 中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调 ”的，但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视阈的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。 《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”。观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透视的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 用笔和用墨，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则钝，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓淡相生相融，做到浓中有淡、淡中有浓，浓要有最浓与次浓，淡要有稍淡与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源 ”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。 以上中国画的特点，主要是对传统的中国画而言。这些特点，随着时代的进步，艺术内容和形式不断向前发展变化。特别是五四运动之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放、千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富.

艺术概论(名词解释、简答、论述)

名词解释： 1. 艺术语言:指的是它在艺术作品中起到类似语言的表情达意的作用。事实上艺术语言就是艺术作品的物质表现手段，是作品的外部形式。每个种类的艺术都有自己独特的语言。如绘画语言包括线条、色彩、构图等；音乐语言包括旋律、和声、节奏等；电影语言包括画面、声音、蒙太奇等。 2. 艺术直觉：就是在一定的艺术心理定势的不知不觉的导向和作用下，对客观事物感知后，不经过复杂的智力思考的逻辑过程而直接、迅捷的认识和把握事物的思维活动。 3. 现代主义创作方法：是指艺术家按照生活的本来面貌，通过艺术形象的典型化，真实的再现生活的一种创作方法。它的基本特征是：艺术描绘的客观性、艺术形象的典型性、思想倾向和情感的隐蔽性。 4. 艺术风格：简单地说，风格就是艺术作品的因于内而符于外的风貌，是艺术作品在整体上呈现出的具有代表性的面貌。艺术家独特的创作个性，离不开艺术家独特的人生道路、生活环境，阅历修养，审美需求和艺术追求。 5.艺术意境：是艺术作品整体所呈现给欣赏者的景真、情深、意切的出神入化的艺术境界，是内容与形式完美统一的有机整体中偏重于内容方面所表现出来的艺术效果。 6. 艺术流派：是指在一定的历史阶段内，由一些思想倾向、艺术主张、创作方法、艺术风格等方面相近或相似的艺术家，自觉或不自觉的形成的艺术家群体。艺术流派是多种多样的。它是艺术不断发展、多样化与繁荣的表现。 7.形象思维：是指在艺术构思过程中，以表象作材料，通过艺术想象，对表象予以升华，或对表象予以分解、重组、联结等，加工成艺术意象的思维过程。 8.造型艺术：是指运用一定的物质材料（如颜料、纸张、泥石、木料等），通过雕塑静态的视觉形象来反映社会生活与表现艺术家思想情感。它是一种再现性空间艺术，也是一种静态的视觉艺术。它主要包括绘画、雕塑、摄影艺术、书法艺术等。 9.意境：是艺术家的思想、审美观念及审美理想与客观景物的融合。它是情与景、意与境的统一。“意境”追求天然之美，追求纯真之美，追求朴素之美，归结为一种自然天真的审美趣味，对于中国传统关系产生了巨大的影响。 简答题 1.如何理解艺术作品内容与形式的关系？ 艺术作品的内容与形式是对立统一、互相包容、互相转化的关系。两者都以对方的存在而存在。不可想象会存在没有内容的形式和没有形式的内容。所以也不存在只有形式或只有内容的艺术作品。“如果形式是内容的表现，它必和内容紧密的联系着，你要想把它从内容分出来，那就意味着消灭了内容；反过来，你要想把内容从形式分出来，那就等于消灭了形式。”另外形式是内容的外观，形式不佳，肯定会影响对内容的鉴赏。所以，在接受活动中，从这一意义上说，艺术形式确是具有先行性的，而且也是有决定性的，另外，从接受角度来看美术，电影，音乐等作品它们的形式本身就是内容，就是说这些作品形式不但体现了作品的内容，同时它们也决定了自身的内容。已完成的作品中，内容与形式是紧密结合的，成为一个整体的两个方面。【P -398】 2.简述道德、宗教对艺术发展的影响。 （1）艺术与道德：有些艺术作品能体现一定时代的道德准则，一定时代和一定社会的伦理道德思想，总是要通过艺术作品的主题，内在意蕴等表现出来。艺术家的道德观也会影响他的艺术创作。一部优秀的艺术作品可以提高人们的道德水平和精神境界。【网搜】同时,道德对艺术的影响,还表现在艺术创作者的人生观、价值观、审美观和道德观对艺术创作的影响。既然艺术是对现实生活的反映,艺术作品当然就是社会生活在艺术家头脑中反映的产物。因而在描写和表现人们的道德面貌与道德生活时,必然融入艺术家个人的道德评价和道德判断。（2）宗教对艺术：第一,表现在艺术被宗教用来宣扬和传播自身,同时宗教也为艺术提供了自身的题材与内容。其次,在某些方面宗教对艺术发展产生了促进作用。第三,表现在宗教具有阻碍艺术发展的作用。它把艺术限定于宗教所规定的范围和式样中,以理论的形式影响了艺术的创作和鉴赏活动,在一定程序上阻碍着艺术的发展 3.艺术接受的社会环节有哪些?【P448】 艺术展览馆新闻媒介艺术出版社艺术博物馆艺术市场艺术院校 4.辨析艺术作品的格调与品位。 （一）格调是艺术作品中一个重要的属性，它既与作品的风格和意境、形式和内容有密切的关系，又有自身特定的内涵。

形式与功能的关系

形式与功能的关系 释义：形式：事物的形状、结构等；功能：事物或方法所发挥的有利的作用、效能。即是说，就设计而言，看得见的是形式，如形状、结构、材质、色彩等表现形式指的是它的装饰性；看不见的是功能，如衣食住行，指的是它的使用价值、实用性。 设计的本质是“按照美的规律为人造物”。其中“为人造物”指明了设计必须是人工创造的产物，且必须具备有用性即实用功能。在设计中，一般来说设计作品的内容即是其功能，而与内容相对的，必然要有相应的形式。设计作品的形式，作为与内部结构相关联的外部表现形态，需要通过一定的材料、形状、色彩等在作品外部形成可被人感知的实体，因此设计中要求的“按照美的规律”也主要体现在对形式的创作中。一般来说, 人造物的发展大致要经过功能至上、形式至上、功能与形式的融合三个阶段。每当生产方式发生变革时, 设计会重复经历这三个阶段, 或以更高的形态重复经历这三个阶段。 一、设计生产之初的功能至上 如果说设计是一种“为人造物的艺术”，那么“为人造物”就是设计的最基本的要求，也是衡量设计的标准。 人类产生之初，造物行为就是植根于人的生存、生活需要，进行造物的最初目的也是为了制造出满足人生存基本需要的物品，在以后的石器制作中无论是制作技术从一次加工到二次加工以及到后来的局部磨光、整体磨光，还是工具的品类从单一到多样化再到专门化和组合，始终都体现着“功能至上”的原则。而在漫长的制造和使用工具的过程中，为了追求实用的目的对物的原形不断进行改造，在物的使用功能得到最大限度的发挥所引起的精神上的快感和舒畅的基础上，人类萌发了对形式中体现的形式美感的最初认识。 二、追求形式的手工业时代设计 当人类的设计活动进入手工业时代，由于最初的设计是在一种“功能至上”思想指导下进行，设计出的产品都是以追求物的有用性为根本目的，因此，大量与生活密切相关的产品，到了手工业时期其内在的使用功能就趋于稳定。在通常情况下，当一件东西的基本功能已经基本确定的情况下，形式作为一种可以为人所感知的外部形象，在不影响物的有用性的前提下，对它的处理就有了相对较大的自由度。 手工业的独立是在原始社会的瓦解时期，伴随着第二次社会大分工，从农业中分离出来，手工业时代的来临也意味着人类从原始社会进入了阶级社会。居于社会下层的手工匠人所生产出来产品的主要消费对象是居于社会上层的统治阶级。为了满足统治阶级彰显社会地位、炫耀财富的需要，手工匠人在制作器物时往往不记成本的追求“错金镂（lòu）银，雕缋（huì）满眼”的效果，有时甚至到了穷加雕饰的地步，在这一时期的设计所体现出的是一种形式凌驾于功能之上的状况，无论在中国，还是在欧洲的设计中都得到反映。比如明代的宣德炉，再如洛可可时期的路易十五的办公桌和豪华台柜，都是形式凌驾于功能之上的典型作品。圆明园的海晏堂是仿制的西方建筑，但是由于对功能结构原理的忽视以至喷泉的动力机构瘫痪后，只得由人工提水来维持其正常喷水，这更加是只重形式。 三、手工业设计向现代设计转型期中形式与功能的争斗 18世纪的工业革命翻开了人类历史的新篇章，以煤、铁、钢等新材料的使用为基础的工业技术飞速发展，整个社会处于重大的变革之中。在强大的机器面前，个性的设计屈服于机器的生产，那些充满艺术创意和手工技艺的设计也被惟利是图的商人所摈弃，传统的审美趣味被单纯注重使用功能和效率的大批量机械产品所掩盖。 针对机器生产引起的产品艺术质量的下降，也是为了重新唤起人们对产品形式的关注，威廉·莫里斯领导了工艺美术运动。随后，以法国、比利时为首开展了新艺术运动，还有几乎与现代主义设计运动同时发生的装饰艺术运动。

艺术作品形式的意义

论艺术作品形式的意义

摘要艺术作品的形式，是艺术作品内容外化的结果。任何艺术作品都必然也必须有一个存在的样态，否则，题材和主题没有被合理和有意味的组织起来，艺术作品更无题可言，无体的艺术也就不能称其为艺术了。因此，我们不难看到，艺术作品的形式，要有内容外化为实际存在就首先需要将题材、主体相关的种种因素按创作意图组织成一种理想可感的结构；接着就要寻求依附于结构上，能充分展示内容的艺术表现语言。有此也可见，所谓艺术作品的形式，总体上是由组织结构和艺术语言结合而成的。或者说，形成艺术形式特点的决定因素是结构和艺术语言的状况。 关键词形式美、体裁、能动性、稳定性 艺术作品的形式显然是为内容服务的，内容总是要求尽有可能的合适和美好的存在样态。这样就不可能不重视对能够强化艺术魅力的形式美的认识和探讨。 简要的来理解“形式美”三个字，它指的是客观事象与艺术作品在形式上的美。艺术作品的形式美，又于客观事物的形式美有着紧密的联系。有了对客观事象形式美的认识和把握，才可能在艺术创作中运用和驾驭形式美的规律。作家、艺术家所接触的对称、对比、比例、主次、虚实、含蓄、呼应、均衡、和谐、多样统一、节奏等等艺术法则，就是对形式美规律的概括和肯定，也是艺术形象的创造的基础手段。在艺术门类中，绘画的线条、色彩，音乐的旋律调式文学的语言、结构，雕塑的体块、材质，等等，它们是不同的艺术门类运用形式美法则进行创作时的不同依傍。艺术的形式美与内容美相对应，形式美自然应该服从内容美的表现。但形式美又有自身相对的独立性和审美价值，发展也自成系统。加以认识和研究是很有必要的。 通常我们所说的形式美，是针对自然事物的一些属性，如色彩、线条、声音、形态、运动等，在一种符合规律的联系中(如整齐划一、前后呼应、均衡、对称、变化统一等)，所呈现出来的那些可能引起人们美感的审美特性。色彩、形态等这些现实事物的部分属性，总是与具体事物的质的规定性紧密相连浑为一体的。但是，人们经过长期社会实践后经验的积累、认识力的提高，就能采用多种分析、综合的方式，逐渐把它们与事物的其它属性相对剥离开来并加以把握。恩格斯说过：“几何学的结果不外是各种线、面、体或它们的组合的自然特性，这些组合大部分早在有人类以前就已在自然界中出现了……这些属于自然界事物的某种特性的色彩、形态等，按照一定规则组合起来后而获得了审美的意义和价值，其原因不能单以自然特性的客观显示来解释也不能只看做这是自然物规律性的组合结构与人的感觉等心理结构趋同相谐的结果。诚然，这种合规律性的关系、结

艺术作品的内容与形式(备课内容)

艺术作品的内容与形式 ——动画专题 四朵金花 （播放千与千寻片段，然后问大家刚刚所看的是什么，答千与千寻，再提问千与千寻是什么，答动画。播放标题PPT，“没错，今天我们要讲的就是艺术作品的内容与形式之动画专题，为什么是动画专题呢？因为艺术这个范围实在是太~大了，为了能让大家更好地理解这一章的内容，我们就以动画为代表，更好的诠释今天所要讲的知识内容。”正式开始讲课） 一、艺术作品的内容。 ?题材与主题。 ?叙事作品中，情节也是艺术作品内容的重要组成部分。通常对情节的要求表现为完整性、丰富性、生动性和新颖性。 题材： ?题材就是作者根据自己的创作意图，经过选择乃至虚构而进入作品的生活内容。 ?题材的概念有两种含义：一种是广义的，指艺术作品中所表现、描绘的生活、情感的范围或性质，也称取材范围；另一种是狭义的，指的是构成已被规定了的作品内容的基本的材料，即作品中表现出来的具体的生活形态和情感形态。 ?题材提炼于素材。（素材，就是能因艺术家的兴趣所致而进入创作视野，并能够引起创作冲动的感性的生活材料，或原创的艺术资料。）素材是题材的原材料。 （接下来播放视频。） 主题： ?主题就是作品反映的生活的社会意义与作者对它的认识与评价，也就是作品的中心思想。 ?主题的产生有两个基本的条件，一是作品的题材，二是作者的思想感情。?艺术作品的主题呈现多样化的特点，可以是政治性的，哲学性的，伦理性的，宗教性的，生活情趣及自然之美等性质的。

?主题是题材的思想升华。 宫崎骏： 宫崎骏，1941年1月5日出生于东京都文京区，日本动画师、动画制作人、漫 画家、动画导演、动画编剧。他的作品具有极强的想象力，为人们展现的是一个个魔幻而又美丽的世界。 （宫崎骏的动画主题介绍。） 1、环境保护主题：营造绿色的世界，追求人与自然的和谐。 “环境”是宫崎骏创作动画电影的重要主题之一。作者用“环境”主题表达对工业化时代的人文关怀和忧患意识。宫崎骏通过鲜明的人物形象，富于跳跃性的故事情节，将动画艺术和现实结合在一起，使观众感受到环境保护理念的重要性，引发对人类环境文明的反思。 2、热爱和平主题：反对战争，远离杀戮。 反对战争，崇尚和平主题一直贯穿宫崎骏的动画。宫崎骏认为战争，是一种无义战，只要两国交战，便没有正义之分。战争是人类自取灭亡之道。宫崎骏幼年亲身经历了战争中人性的堕落。影片里的灾难都是人类为了自身利益而引起的。代表作：《哈尔的移动城堡》、《天空之城》、《红猪》等。 代表作：《风之谷》、《幽灵公主》等。 3、亲情情感主题：亲情的回归，增进人与人之间的感情。 宫崎骏由于工作的原因，和自己的孩子们缺乏交流，逐渐和孩子们产生了代沟。自感惭愧的宫崎骏为了弥补年轻时的过失，在多部作品中表达了亲情主题。代表作：《悬崖上的金鱼公主》、《龙猫》等。 4、青春成长主题：少女的“拯救”，塑造宫崎骏女性主义的完美形象。 崇拜女性主义的痕迹在宫崎骏的作品里可见一斑。宫崎骏认为女性比男性更能适应复杂变化的社会，以少女作为主角，与故事的发展、少女本身的特点以及独特的日本文化审美追求相关。女性由于性格上的独特优势，能够容纳一切事物，以少女作为主角，有利于宫崎骏描绘自己幻想的空间。 代表作：《千与千寻》、《幽灵公主》等。 二、艺术作品的形式。 ?艺术作品的形式就是构成作品艺术形象的物质形态，也就是作品内容的存在方式。 ?艺术作品的形式总体上是由内在的组织结构和外显的艺术语言两种形式因 素构成的。（艺术作品的结构，就是作品中各个局部之间、题材各因素之间的内在关联与组织的样式。“艺术语言”是一个借用词，是艺术作品的物质表现手段和外在呈现形式，指它在艺术作品中起到类似语言的表情达意的作用BGM。艺术语言就是艺术作品的物质表现手段，是艺术表现手法与表现技巧的总和，是形象揭示艺术内容的显性手段，是作品的外部表现形态。）

艺术课堂内容与形式

艺术课堂内容与形式的关系 ——浅谈音乐课堂中多元艺术形式的整合音乐与其他艺术形式的有机融合是音乐教育的一个良好形式，对于增加学科交叉、拓宽学生的知识面有着重要意义。在教学中，教师可以将音乐与美术、舞蹈、文学等人文学科结合起来，以使音乐教学空间得到进一步拓展，突出教学的艺术性和教法的“随机性与灵活性”，进而丰富课堂教学内容，拓宽学生体验音乐的渠道。 一、音乐教学与古诗词艺术的整合 “诗言志，言之不足，则咏歌之；咏歌之不足，不知手之舞之、足之蹈之也。”语言形式的音乐性是诗歌最重要的特点之一。诗是最富音乐性的语言艺术，它所具有的音乐气息是其他体裁的文学无法比拟的，诗歌与音乐在韵律、形象、节奏等方面具有共通点，使诗歌具有音乐特性。而音乐作为学生喜闻乐见的形式，能增强古诗词教学的生动性、形象性，从而增强学生的积极性、参与性和主动性，使课堂教学充满活力和激情。在古诗词教学中加入音乐手段，可以改变传统诗词教学的枯燥乏味，调动学生的学习积极性，提高学生的文化素质和审美情趣，陶冶学生的情操，达到事半功倍的效果。例如，在教学六年级《游子吟》一课时，学生表现出了超乎一般歌曲的高度兴趣，不论在学习效率上，还是歌词内涵理解上较之以前歌曲都有质的变化。如果根据不同年级教材的特点删改一些学生不喜欢的歌曲，每学期挑选二至三首古诗词歌曲进行教授，如在高年级教授柳永的《雨霖铃》、范仲淹的《苏幕遮》、汉乐府《木兰辞》，中年级教授王维的《红豆》、

李煜的《虞美人》、李之仪的《卜算子·我住长江头》；低年级教授杨万里的《小池》、李白的《春晓》，往往会在音乐课堂中收到意想不到的教学效果。用音乐的方式让学生去领悟诗词的意境，记住诗词的内容，既陶冶了学生的情操，又激活了音乐课堂，营造了良好的校园文化氛围。 二、音乐教学与舞蹈艺术的整合 舞蹈与音乐就是一对有机的结合体，是形体美与音乐美的交融，舞蹈是唱歌时感情的升华。实践表明，学生在音乐课中是最容易兴奋的，因为在课中他们能发挥和展现他们自己的表演才能，有唱有跳，包括许多男孩子也很喜欢在课中律动、舞蹈。例如，学习一年级下册《萤火虫》这首歌曲时，可以根据歌曲的律动，编一些萤火虫飞时的舞蹈动作让学生模仿。演唱时，随着歌曲的节奏与旋律，学生挥动手臂，如同一只只小萤火虫上下飞舞。如果在音乐课中对学生进行舞蹈律动的训练，能够使他们实现躯体上的自我保健、情绪上的自我调节、生活方式上的自我控制和人际关系上的自我调整。音乐教师可以自编“动作模仿操表演”，对各种动物进行形象加工、动态模仿，同时要注意事物的外形动态、特征的节奏感及形象化的体现，使学生跳起来如临其境，如仿其形，天真活泼，富有情趣。如，模仿小鸭子的“鸭子步”、小毛驴的“甩鞭”和跑跳步、小兔子的蹦步……在音乐课中，还可以让学生分小组对某首歌曲进行律动的编创，从这种小小的练习中就可以培养学生的合作能力，处理好同伴之间的关系。学生对作品的展现也体现了他们对歌曲情感的理解，情绪的表现，音乐教师则可