中国画的种类和表现技法
种类和表现技法
山水画分为水墨山水和设色山水两种。
顾名思义，水墨山水主要以水墨作为表现形式；设色山水一般在水墨山水的基础上施以淡彩或重彩，可分浅绛山水和青绿山水。亦有淋漓尽致的泼彩山水和没骨山水。
中国山水画技术成熟很早，且有长久的发展，笔法、墨法、章法、意境、肌理效果及敷彩，无不融汇在山水画中，可谓集中画技法之大成。所以学习山水画应该从基本方法入手，由浅入深，由此及彼，由表及里，上不求索。摹、写生、创作的反复实践，就能画出有既有传统又富有个性山水画，使“情与景会，意与相通”。
1、山水画的表现技法。实质上可以说是一个用笔、用墨和设色的问题。山水画的用笔多种多样。这是由毛笔的性能决定的。它可以勾线、点苔、涂面、可皴、可擦、可染；笔锋可聚可散，用墨可干可
湿。
2、笔锋的运用，有中锋与侧锋、顺锋与逆锋、藏锋与露锋、聚锋与散锋。行笔有快与慢，轻与重，轻挥与顿挫。笔趣有巧与拙，刚与柔，光与毛等等。这些传统的用笔方法可以作出不同艺术效果和各种不同的质感。
3、中锋用笔最广，常用于勾勒物体的轮廓。比如树木的枝干，人物、车船等和各种点，如圆点、斜点、直点、横点、渴点（干笔点），夹叶也多用中锋。
4、侧锋多用于山石的皴擦，树木的横染，以及画树叶等。
5、散锋多用于画山石、树木、皴擦点染，因势利导，效果颇
佳。
6、用墨要有浓、淡、干、湿等层次变化。浓墨又有浓湿与浓干，淡墨又有淡湿与淡干的区别。一笔墨可出现浓淡干湿和墨色变化。古人啖“墨分五色，就是形容用墨有千变万化，仿佛有色彩的感觉。因此，要掌握墨性。
7、山水画的墨法，分泼墨法，积墨法和破墨法。
泼墨法，就是用阔笔蘸墨大写，使墨彩生发多种变化。它的主要待点是一道墨趁湿可以适当补加，并要注意细心收格，此法常与破墨法结合。
雨景山水和马夏一派山水画的一层墨，特别是那些平涂式的大远山，也是泼墨法。
8、积墨法是与泼墨的一道相对而言的，是一种由淡则浓，由薄则厚的多层墨法，是前一道墨干后再画后一道墨，层层添加，能增加画面的苍郁厚重感。
9、破墨法是趁第一道墨未干前加第二道墨。可以重墨破淡墨，亦可淡墨破重墨。它的特点是浓淡，干湿相互破立。墨色融合，渗透变化，极有润致。
10、画山水用墨的一般的规律是：画线画点用浓墨居多，皴檫则浓淡可以兼用，渲染用淡墨居多。焦墨（燥墨）多作浓墨的辅助。滋润处用湿墨，醒提处用焦墨。蘸墨不要太勤，一笔墨把它用光方可出现干笔，调子才能丰富。
11、设色：设色山水有浅绛、青绿和没骨之分。青绿山水中又分金碧、大青绿、和小青绿。浅绿山水：它是在完成勾、皴、点、染的墨笔山水的基础上敷以淡赭来表明山川树木的气氛和彩色的。但一定要浅，也有与长青、草绿结合着用的，一般不用石青、石绿。
12、没骨山水：此法不用墨打轮廓，直接用颜色画。但是用笔、用墨较难，现在很少见，有时在画远山时亦可试用。初学不易掌握。
13、青绿山水：青绿山水的特点就是要减少皴法，渲染石青、石绿以前需要打底色，目的是起衬托作用，使青绿色既厚重又鲜明。小青绿山水的画法是先用赭石打底子，然后另上花青和草绿，最后上石青、石绿。
14、大青绿山水只勾而不皴，一般是用赭石和石朱砂打底子，着石青、石绿要分几次渲染。如果在大青绿山水上勾金，便成了金碧山水了。
15、在传统绘画中，也有在浅绛山水墨面使用淡石绿或石青的，显得别致秀润；有的将石青石绿渗和使用，有的加进一些花青或草绿，越到后来用法越灵活，实际上是把浅绛和青绿结合起来了。
16、我们在总结传统绘画设色方法的同时，可以借鉴西洋绘画中的色彩关系和水彩画的表现技法，以达到“推陈出新”的目的。
17、山水画设色的一般方法是：首先完成勾、皴、点、染，墨既足，然后敷色，上面所提到的“染”字，系指在勾、皴、擦、点的基础上，用不同深浅的墨染出石的结构和明暗关系。
18、除先墨后色者，亦可先用色点染后勾墨（或先以淡墨点染后勾重墨），也有先用墨勾皴趁湿染色的，此法即打破了传统的设色方法，使色墨交融，生动华滋。
19、设色要反复大关系，色调要统一。渲染颜色不要把色彩调得很浓或一次完成，要多次渲染才能丰润。如渲染后还不够厚重，可在纸的背面加染颜色进行衬托，这种方法叫“背染”。渲染时直接用原色染的不多，一般要用几种色调配或加点墨使用。此帧设色与渲染协调统一，白云以白粉背染自有韵味，天空以赭墨背染则显深邃。
20、设色的顺序一般是先上水色，后上石色。石绿一般表现阳面，石青表现阴面，两色可以掺合使用，也可以互相罩染。要注意颜色是补充墨的不足，墨是颜色的骨干，使墨和色融为一体，交相辉映。
山石画法
山水画离不开山石树木，云水，建筑、舟车和点景人物、动物、禽鸟等，这些元素构成了山水画的生命。 一幅山水画，或以山为主，或以树为主，或以云水为主，或以建筑为主。无论小品，巨制，或壮丽雄伟，或娟秀氤，或寓忌隽永，或博大精深，都是以情惯之，情景交融的。要达到理想境界，除修养和天赋外，必须研究和掌握山水技法，在传承和造化中，通过反复的创作和实践，才能融会贯通，得心应手。画山水，首先从山石和树木的画法入手。
21、石法。山石画法无论聚一聚二，攒三聚五，无论大间小或小间大重复间隔，都是从现实生活中提炼归纳出来的表现形式，这些形式实则是山峦的缩影。因此，将“石”组合扩大，加以肌理的艺术加工，就能变成高山峡谷，峰峦叠嶂，所以山石的组合实则是山水画的骨架。
22、画山石的一般要从勾入手。勾是用线来确定山石的轮廓和主要结构的勾法可中、侧锋兼用，当要注意转折顿挫，分出浓淡干湿墨色变化。
23、勾石廊要由简入繁、由易到难勾线的光与毛，粗与细，轻与重，长与短，曲与直，方与圆，纵与横，疏与密，浓淡干湿等等，要根据不同的对象，采取不同的方法。
24、皴，皴法产生于唐代，经过历代画家的创造，皴法越来越多，各种皴法的名称也相继出现了。皴是表现山石的明暗凹凸变化和地
质构成的，从黄山的写生作品中不难看出，皴法是从真山真景中提炼出来。
25、从表现技法和实际应用两方面来看，皴法大体可归纳成三类既：点皴，线皴，面皴。
点皴，如传统的雨点皴（此皴法是宋代米支仁所创，亦叫米点皴）豆瓣皴，芝麻皴等。水墨写生，近山山头，山脚和远山是用聚锋与散锋相结合的“浑点皴”来表现从树环抱的山岭。
26、线皴，如传统的披麻皴，荷叶皴，云头皴，解索皴等皆是。
27、层层叠叠的梯田，构成生机勃发的节奏，用线的排列表现梯田比较适用。因此，构成梯田皴，这种梯田比较适用，这种梯田皴在芥子园画谱上是没有的。
28、面皴，面皴如传统的斧劈皴，刮铁皴，拖泥带水皴等皆是。面皴主要是表现石质的山，线皴一般表现土质的山。
29、还有一种线皴与面皴结合的折带皴，是表现水成岩的。
30、皴法是一种表现形式。随着社会的发展，科学的进步，山河的巨变和人们审美认识的提高，传统的皴法远远不够用了。在山水画的技法上不断的创造新的皴法。刘口松的纸筋法、拓墨法，便是新皴法。以板拓法绘制，将墨及颜色涂于玻璃板上，趁湿把纸铺在墨迹上加压，使墨迹拓印在画纸上，便成一幅别具风格的图像，然后因势利导加以完善。
31、皴和勾在运用中是结合起来的，可先勾后皴，也可先皴后勾，皴不要伤了轮廓，也不要轮廓脱离，要将勾与皴、笔与墨融为一体。皴用笔轮廓轻，但不要浮。
32、擦、擦随着皴的产生，擦也出现了，擦是用干笔卧着擦抹。可以在皴完以后加擦，也可连皴带擦同时进行。擦的出现是一个大的发展。皴见笔，擦不见笔，擦是补皴不足，自己不能独立，擦不能过分。
33、点的方法很多，一种点法叫做点苔，多用较浓的墨为之，在山水画中起醒提的作用，能增强艺术效果。另一种点法，常常用在山峦的上端，或在远树上，以增加远近的层次和苍茫葱郁的效果。
34.点有直点和横点、大点、小点、圆点、方点，还有聚锋点与散锋点，藏锋点和露锋点等，可根据需要灵活运用。用笔要参差错落，用墨要浓淡适宜，力求融合变化方显丰富而生动。
35．染，染分湿染与干染。湿染是先把底子用清水刷湿再染，或直接用湿笔染。湿染效果润泽，不见笔痕。云、烟、雨、雾可用湿染。
论绘画艺术审美特征
论绘画艺术的审美特征 作者：马龙潜文章来源：山东大学文艺学研究中心 一 绘画以色彩、线条、形状作为艺术传达的媒介，在二维的平面上，感性具体地展现广阔的社会生活图影。绘画艺术一方面偏重客观，偏重对于对象的客观再现；一方面又突出了艺术家的主体表现，这两者使绘画更为个性化了。色彩、线条、形状往往既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式，它们都是线与面在二维空间中的展开，这与偏于客观的认识在空间中展开的本质有某种内在联系（正如声音在时间中流转与情感在时间中运动有着内在的联系一样）。相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感。 绘画的艺术形象展现在二维的平面之中，这使它作为一种独特的艺术类别或形态，具有了自己的存在价值和相异于其它艺术类型的审美特征。绘画之在二维平面中建构的艺术传达手段，一方面决定了它以艺术家自身存在的主体性为基本原则，另一方面也为充分运用艺术材料（媒介）如色彩、线条、形状等等提供了更广阔的场所，因而在客观地反映对象方面有了更大的可能性。单就色彩而论，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的不同，深浅浓淡的极细微的差别，便可把主体方面的情绪——情感、精神——心理状态，与外界各种各样的事物接触时心中引起的特别兴趣，情感都渲染出来。同时，绘画可以反映社会生
活的极其丰富多彩的内容，它可以容纳自然的天地造化，人工的精巧创造，也可容纳面目各异的人物，社会生活的方方面面；它不但能够描绘各色人物的容貌神态，而且能够表现人物在复杂社会环境中的内在心灵冲突和情感色彩。绘画大大扩展了客观的主体性艺术反映社会生活的能力和范围，其题材的广阔性造成了其样式的多样性，除了人物肖像画外，风景画、静物画、人物情节画等也占有不小的比重。其艺术传达手段的特殊性与多样性，也造成了其体裁的多样性，如绘画之分为油画、水彩、素描、中国画等等。浮雕、木刻可以说是从雕塑到绘画的过渡，是联系两种艺术形态的中介和桥梁。 绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。如莱辛所说“作品不仅仅让人看一下，还要让人考虑，让人长期地反复观赏……；让想象自由活动才是最有意义和效果的，我们愈看下去，就愈能在里面想出更多的东西来。”（L 《拉奥孔》第三章）绘画在二维平面上去再现与反映生活，不但追求视觉上的逼真性、精确性，还力图借助视觉形象的描绘，表现人类主
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中国画构图的基本特点及表现形式
摘要：中国画的历史悠久，不管是物象形态的安排，还是绘画主题的展现，都以其独特的形式美感令世人赞叹不已。在一幅画中，构图不仅表现着画面中不同物体的位置，而且表现着色彩、虚实和线条的运用特色，所以掌握中国画构图对于当代中国画创作具有十分重要的启迪意义。因此，本文首先介绍中国画构图的基本特点，然后探析了中国画构图的表现形式，以便对中国画有一个更加深入的了解。 关键词：中国画；构图；特点；表现形式 中国画是我国古代劳动人民智慧的结晶，它在漫长的历史发展中派生出了无数画法和技法，且各具特色，源源不断地散发着中国画所独有的韵味和艺术魅力。随着时代的进步，中国画也在实践中日趋完善，突出体现在其构图特点和表现形式方面的特殊规律性，这是现代绘画人员必须重视的地方。由此可见，只有深入了解中国画构图的特点，掌握中国画构图的表现形式，才能在新时代国画创作中充分体现出中国画的价值。鉴于此，本文着重研究了中国画构图的基本特点及表现形式，旨在不断提高绘画人员的构图意识，并在此基础上不断思索中国画的奥妙，这对于弘扬中国画的艺术魅力具有极为深远的意义。 1 中国画构图的基本特点 1.1 散点透视 散点透视是中国画构图的基本特点之一，且透视法十分灵活，不但可以从四面八方进行自由观察，采用多点透视或散点透视的方法，而且可以多层次地表现物象的精神性。具体地讲，中国画画幅的形状众多，甚至可以是任何形状，即依据构图需要对画幅形状进行随意安排，充分运用了具有超时空的散点透视绘画法，如《清明上河图》《万里江山图》等都具有这种特点。可见，散点透视是我国画家独有的创造，对于十分复杂的绘画场景，只有微妙的空间处理、自由的灵感表现，合理地运用散点透视法，才能使画家在创作中游刃有余，最终体现中国画独特的审美心理背景。 1.2 主次分明和疏密相间 纵观中国画的创作，其主次分明、疏密相间的特点十分明显。对于任何一幅绘画作品来讲，都不能凭设想，而是要从画面整体构思出发，科学合理地确定各部分物象的宾主位置，这样才能有效地表现自然美，明确主题思想，实现完美的构图，这也是所谓的主次分明，大胆取舍，中国画构图特点也是如此，它有力地突出了画面的精彩部分，又毫不犹豫地舍去有碍画面效果的部分。另外，疏密相间也是中国画构图的要点，即画面不能被景物挤满，需要恰当地留有空白，这样的空白处可以隐藏画者的感情和欣赏者的思绪，从而使画面更有生气，大大升华作者的思想境界。 1.3 开合呼应 实际上，中国画构图的总方式是开合呼应，包括开、合、呼应等三个方面的内容。具体地讲，“开”指要使人们能够感觉到画面的蓄势和张力，可以展开物象的画面；“合”指的是合拢的意思，它与“开”相互照应，起着协调统一画面的作用。“开”与“合”的不同之处表现为“开”要豁达、痛快，而“合”则要严实，实现“神合气闭”的效果。所谓“呼应”，指表现作品中人、景、物之间相互联系、顾盼传情的呼应关系，一是人物、动物的神态的呼应，二是景物之间的姿态、韵致、趣味、节奏等的呼应，同时不失笔、墨、线、色、形和内容的呼应，力图在人、景、物之间产生互动、交流和传情。 1.4 诗、书、画、印 中国画构图还有一个重要特点，那就是将诗、书、画、印相结合，这样有助于更加完整地表现中国画的特色，展示中国画的艺术魅力。实际上，要做到这一点，绘画人员可以把几种艺术融为一体，使它们相互辉映，不但可以丰富画面，而且可以增加画面的境界，将更多的审美情趣传达给人们。所以，创作一幅优秀的中国画，绘画人员一定要见多识广，拥有多
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众所周知，自古而今，“笔墨”对于中国画而言，那就是核心。是根，是本。 一、“笔墨”的本质 知道了笔墨是中国画的根和本，至于“笔墨”是什么或者什么是“笔墨”等等一系列可能提出的问题,想来这种概念性的提问已经没有多少意义。在这里,需要大家真正清楚明了的,即如何去理解“笔墨”的内涵和形式以及技法等等一些实质性的东西也许更加重要。毕竟，形式、内涵和技法，乃一切艺术之必须。想来在这里先读几段前人关于“笔墨”的论述比较有益： 1、“所谓笔墨者，言以笔之气势，貌物之体势，方得谓画。 故当伸纸洒墨，吾腕中若具有天地生物光景，洋洋洒洒，其出也无滞，其成也无心，随手点拂而物态毕呈，满眼机关而取携自便。心手笔墨之间，灵机妙绪凑而发也。文湖州所谓急而取之，少纵即逝者……墨滓笔痕托心腕之灵气以出，则气之在是亦势之在是也。
当代著名学者林木在其《笔墨与笔墨精神》一文中对这段话的理解是：这段极富中国传统哲理意味又颇具当代完形心理学性质的笔墨观念，对笔墨的强烈的表现性作了一种深刻的概括。笔墨实则也就是天人合一的文化氛围中，个人的情绪气质与对自然的某种深刻的感悟相融相洽时的一种抽象的形式表现。 同样，清人恽南田说：“笔墨本无情，不可使运笔才无情;作画在摄情，不可使鉴画者不生情。”沈宗骞也说：“笔墨之道本乎性情”，“笔墨本通灵之具”……显然，所有这些话语的脱口，无一不在说明笔墨在运行过程中对画家情绪、修养、气质等等主观精神世界存在表现性。信然，如果我们承认中国画笔墨的存在和运用具有表现性的话，那么，笔墨作为中国画之根本，想必它本身就是一个人性化的东西，至于它是形式的、内涵的、技巧的，看来已经不太重要了。真正重要的，应是画家在创作挥洒之时千万记住笔墨的“用笔千古不易”和“笔墨当随时代”二者那既辩证又统一的关系。 2、笔墨的形式与内涵。 我们知道,形式与内涵二者并不相同,但二者又相互依存。换句话说，即它们当中任何一方脱离了另一方都无法存在。因为，艺术就是运用某种有限的、看得见的形式去传递着那无限的、看不见、摸不着的内涵，是故，人们才会说“内涵需要形式去传递”。至于画家们要将全
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中国古典美学的审美特征 中国作为一个有着五千多年历史的文明古国，从远古的石器时代开始，就已创造了举世罕见的物质文明和精神文明，同时也衍生了人类历史上具有永恒魅力、不可磨灭的美。中国古代美学形成了我们民族独有的美学传统。这个传统不仅是中华民族精神的体现，更深深地渗透到了我们民族的意识、心理、好尚、趣味之中，表现在艺术作品中，组成我们民族文化不可分割的部分，在世界美学史上占有重要地位，并对整个人类文化的进步作出了不可或缺的贡献。 1.中国古代工艺美术的审美特征 中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。 中国工艺美术浸透着中华民族的文化精神和审美意识,富有鲜明的美学个性,主要体现出： ①和谐性 中国传统艺术思想重视人与物、用与美、文与质、形与神、心与手、材与艺等因素相互间的关系，主张“和”与“宜”。对“和”、“宜”之理想境界的追求，使中国工艺美术呈现出高度的和谐性；外观的物质形态与内涵的精神意蕴和谐统一，实用性与审美性的和谐统一，感性的关系与理性的规范的和谐统一，材质工技与意匠营构的和谐统一。 ②象征性 中国工艺思想历来重视造物在伦理道德上的感化作用。它强调物用的感官愉快与审美的情感满足的联系，而且同时要求这种联系符合伦理道德规范。受制于强烈的伦理意识，中国传统工艺造物通常含有特定的寓意，往往借助造型、体量、尺度、色彩或纹饰来象征性地喻示伦理道德观念。这种象征性的追求常常使宫廷或文人工艺美术沦为纯粹的伦理道德观念的展示，造成矫饰之态或物用功效的损害。相比之下，更多以生产者自身的功利意愿为象征内涵的民间工艺美术则显得刚健朴质，充满活力。 ③灵动性 中国工艺思想主张心物的统一,要求“得心应手”，“质则人身，文象阴阳”，使主体人的生命性灵在造物上获得充分的体现。中国传统工艺造物一直在造型和装饰上保持着 S形的结构范式。这种结构范式富有生命的韵律和循环不息的运动感，使中国工艺造物在规范严整中又显变化活跃、疏朗空灵。 ④天趣性 中国工艺思想重视工艺材料的自然品质，主张“理材”、“因材施艺”，要求“相物而赋形，范质而施采”。中国传统工艺美术在造型或装饰上总是尊重材料的规定性，充分利用或显露材料的天生丽质。这种卓越的意匠使中国工艺造物具有自然天真，恬淡优雅的趣味和情致。 ⑤工巧性
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中国画技法课程题库 一、写意人物试题库之一 1.教学课题：理解传统写意人物画的基础理论，掌握传统写意人物画的表现技法。 质量要求：方法正确，真切体现原作的笔墨造型精神。 数量要求：２幅作业，四尺三开以上。 评分标准：能正确地把握传统写意人物画的基本方法，比较准确地体现范作的笔墨造型艺术精神。 2.教学课题：如何在写生中正确运用传统写意人物画方法。 质量要求：造型生动，构图完整，具有一定的笔墨表现力。 数量要求：２幅作业，均为四尺整张。 评分标准：能发挥传统写意人物画的艺术特性，有一定的感受能力和表现能力。 3.教学课题：较好把握写意人物画语言的艺术精神，在实践中较好地运用传统写意人物画 技法。 质量要求：笔墨表现较为生动、整体效果好。 数量要求：2幅，尺寸均为四尺整张。 评分标准：能较为生动地表现客观对象，笔墨表现效果较好，体现出对传统理论和技法的正确认识。 4.教学课题：写意人物画写生与创作的基本方法和技巧。 质量要求：造型生动、画面完整，有一定的表现力和创作性。 数量要求：写生１幅／4学时，创作1幅/12学时，尺寸均为四尺整张。 评分标准：人物造型生动，画面完整，笔墨具有表现性和一定的创作性，能体现对课程要求的深入认识和切实把握。 二、写意人物试题库之二 1. 教学课题：写意人物的基本方法、临摹传统经典作品 质量要求：充分体现原画的特征风貌 数量要求：四尺对开或全张１—２幅 评分标准：根据对传统方法内涵的理解，临摹制作完整程度和对技法的把握综合评分。 2. 教学课题：写意人物画全身像写生 质量要求：线条随意而到位，笔墨处理恰当。 数量要求：四尺整一幅 评分标准：按照写生作业的整体效果，包括造型的准确到位、笔墨处理的熟练程度，及学习态度综合评分。 3. 教学课题：在写生的基础上进行写意人物的创作练习 质量要求：有一定的创作构思，画面完整。 数量要求：四尺×2或四尺1－2幅 评分标准：根据创作的画面效果综合评分。 4. 教学课题：写意人物创作练习 质量要求：构图完整，形象生动，笔墨协调。 数量要求：四尺两幅或六尺一幅。 评分标准：根据写意人物画创作作品的构思、构图及人物形象的表现，同时参照学习态度和学习的进展快慢综合评分。 三、写意人物试题库之三
国画的23种表现技法
一．揉纸法 将纸揉皱后，一般可在正面刷墨色，背后衬浓墨或浓色；也可根据需要衬淡墨色。 1．全纸揉皱 2．局部揉：熟宣纸常用。主要形象完成后国画，根据需要，揉局部成规则或不规则纹路，展平后处理。 3．先画后揉：画时不必过于具体。正面画反面画均可中国国画，二者可得不同肌理效果。 4．折纸：折成细密的或横或竖的纹路。 5．扎纸：将纸中间提起，握紧其他部分，再展平，刷墨色后，可呈放射状。 6．压纸：将画纸折成或横或竖国画视频国画梅花，喷湿后，滚压，再展平着墨色，可呈更细碎纹理。 二．扎染法 1．画前扎染：扎后浸墨色，或者用笔涂墨色。 2．画后扎染 3．干后展开 4．趁湿展开 三．拼贴挖补法 生宣纸：用干净水将不要的部分圈出，趁湿撕去，理顺毛边后，用另笔蘸白净的浆糊刷上边口，再将同样型号的宣纸粘贴，水洇国画网，撕去多余部分即可。
熟宣纸：剪去多余部分后，洇湿边口，轻撕薄边，粘纸。 也可在补贴后，边缘处略加几点浆糊，使之大体固定国画牡丹，而后补笔或渲染进行调整，使之神完气足国画欣赏，完成后装裱即可。1．把一幅画切割、分解，然后换位或原位（如将一个圆变换角度或反过来贴上）重新组合。 2．或把别的画面某一部分拼在此画面上国画视频，构成新的关系。如用金箔直接贴在画面等。 3．穿插拼贴法（如画芦苇和芦苇后的渔舟）。 四．纸板遮挡法 1．纸筋法：在画纸上加上纸筋，用水粘贴国画网，画后撕掉，可表现山石的纹理与质感。也可在拓印材料上加上纸筋。 2．刻版遮挡法：刻出大雁、白鹭等形象国画视频，再拓印。其它杂物：麻批子、松针等。 3．纸版漏印：此法与遮挡法相反，先在较硬的纸上剪刻出空洞形象字画，用它来刷印或拓印。 五．反衬法 1．在背面勾皴 2．正面勾皴，背后着色 3．正面作画主体，托纸上画背景 六．拓印法 可作拓印的材料有：玻璃、木板、胶合板、塑料板、布料、纸张、石板、铁板等。在玻璃上拓印，可在下面衬一张白纸，以显示墨色之形
国内传统绘画的主要种类
中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种 水墨画 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画 简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。 文人画 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强
中国画技法
课程名称：中国画技法：白描、工笔淡彩 课型：理论、技能 周次：3周 授课时间： 课时：6课时 地点：教室 教学目标：使学生了解中国工笔画所需要的工具和材料；通过白描花卉练习，熟悉中国工笔画线条的魅力，掌握勾线的运笔特点。并通过讲授工笔花卉的着染技法，演 示工笔花卉的作画步骤，使学生学习和掌握最基本的分染、罩染、勾填、反衬 等传统技法并学习一些特殊技法，能独立完成一幅作品。 教学重难点分析： 教学重点：了解传统工笔画所使用的工具和材料的特性；运用线条表现出力感和快感，运用笔墨变化表现花卉的质感；掌握分染、罩染、统染等技法的表现。 教学难点：中国画与西方绘画不同，不强调光影，用线表现结构，用色丰富画面，“以形写神”、“以线造型”。表现白描用线的形式美感；线条与花卉形象、质感、 空间感的结合处理。 教学过程： 一、中国画概述： 1、提问：你知道哪些关于中国画的知识？说说看 2、概述： 中国书法和中国绘画被一起称为东方瑰宝，它不同于西方的水彩画和油画，它是 使用中国传统的工具——笔墨纸砚，中国画有着悠久的历史，我们根据画法把它 分为工笔和写意二类，每一类又可以分为山水、人物、花鸟。 工笔画：工笔画是使用中国特制的绢或熟宣，这二种材质不太吸水，再加上使用 中国特制的矿物质原料，就可以画出工笔画。（具体技法见后 面的教学内容） 写意画：写意画是用毛笔画在生宣纸上，它和书法所使用的工具和纸张 是相同的。 （通过一个小实验：不吸水的纸是熟宣，吸水的纸是生宣。绢是由丝制成，宣纸 是用一种特殊的树皮制成，所以它们具有我们普通的纸所不具有的性能。）
二、工笔画的工具和材料： 1、版面材料 工笔画所用的版面材料包括：各类纸、绢等。这是传统工笔画的版面材料。 现代工笔画还使用其他版面材料，如水彩纸、高丽纸、皮纸、麻布、树脂布、棉 布等。 绢的质地光泽细润，很适合画工细严整的工笔墨画，故延用至今。 绢为纯丝制就，呈平纹，有圆丝、扁丝两种，有生绢、熟绢之分。圆丝绢又称“原丝绢”，在古代绘画作品中常见。在这种绢上刷上一层胶矾水后就成为 熟绢。原丝绢因未加捶砸而保持原来丝的形状，故丝与丝之间略有空隙，虽矾过 但仍易漏，故目前使用者少。一般临摹古画时用，但目前也有一些画家利用这种 特性，画出别具特色的工笔画。扁丝绢是捶砸后的绢。扁丝绢有丝本色和仿旧色 两种，亦有未矾过需作者自己刷胶矾水的，矾过的绢质地稍硬挺，熟绢上色后不 会渗开，适合工笔画的细线勾勒、多层渲染等技法，尤其适宜于表现虚幻和朦胧 的效果。绢适合画淡彩法，浓淡相间法亦佳。选用绢作版面材料，应注意发挥绢 的细润有光泽的特点。绢较之纸，价格稍贵，学生可根据自己经济条件选用。 此外，在裱绢时，要注意抻平绢的横竖纹，因绢丝极易歪斜，尤其是画人物画，容易造成人物变形。 熟宣纸：生宣纸经过胶矾水刷制或浸泡就会成为熟宣纸，其性能是不渗水，故适合于画工整细腻的工笔画。它的品种较多，如清水宣、冰雪宣、书画笺、云 母笺、蝉翼宣等。这些纸有薄有厚，胶矾水也有浓有 淡，薄者适宜画淡彩，厚者适宜画重彩，其中蝉翼宣最薄，冰雪宣最厚。云母宣 有微小的云母点，一般用于画山水或花卉，另有洒金笺和各种染 色纸亦属于熟宣纸类。此外，熟宣纸还有泥金纸，目前已少见，系用真金涂制。 清末任伯年的巨幅条屏作品《群仙祝寿图》即用泥金纸绘制而成，其效果金碧辉 煌，华贵而不失雅丽。 麻纸类： 皮纸、高丽纸、各类民间手工制纸都属此类。 ①特点：纸稍厚，纤维长，略渗水。 ②高丽纸有条纹，便于做肌理，加之稍渗水，效果较丰富，故现代工笔画家 常用。高丽纸还能吸附厚重颜料，可画重彩法的工笔画，临摹壁画也很适宜。
中国画技法
中国画技法教案 中国画的技法，实际上可以理解为中国画家运用毛笔的方法，也就是因毛笔而产生的用笔、用墨的技法，其中墨法中包含了色彩的技法， 中国画技法教案 越浓。中国画的笔墨的含义，已不是简单的技法问题，而是中国画的代名词。在中国画的笔墨观中，渗透了中国画的精神。简单说来，中国画的笔法，是由点、线、面组成，而线条的运用是最重要的。墨法，就是利用水的作用，产生了浓、淡、干、湿、深、浅不同的变化。中国画的书写线条的方法被称为“用笔”，中国画用水墨的方法，被称为“用墨”。第一节笔法笔法是由行笔而形成的。行笔包括起笔、运笔、收笔三个部分，起笔和收笔逆入藏锋、自然含蓄，行笔要有力度。用笔要意在笔先，以意使笔才能因意成象，笔自动人之处在于有意趣。笔要有力度，古人称笔“力透纸背”、“骨法用笔”、“力能扛鼎”，就是强调用笔的功力，所以用笔要全神贯注、凝神静气、以意领气、以气导力，气力由心而腰，由腰而臂，由臂而腕，由腕而指，由指而笔端纸上，于是使产生了具有节奏和韵律、奇趣横生的用笔。运笔有中锋、侧锋、逆锋、拖笔、散锋等区别，以中锋用笔最重要，它是笔法的骨。笔锋可分中锋、侧锋、逆锋、拖锋、散锋数种。 1、中锋用笔握笔较直，使笔头中间有力，笔锋基本上在笔痕的中央，笔痕呈圆柱形。 2、侧锋用笔笔锋略向左右倾斜，使笔尖、笔腰同时一侧着力，笔痕变化较多，有时出现一面光一面成锯齿形的效果，能同时表现线与面。 3、逆锋用笔将笔头倒逆而行。顺笔作画时，笔根在前，笔尖尾随；逆锋用笔则相反，笔尖在前，笔根尾随，自上而下，自右而左逆毛而行，具有苍劲、古拙的效果。 4、拖锋用笔拖锋也叫拖笔、露锋。笔头侧卧于画面，顺毛而行，笔痕舒展流畅，自然松动。 5、散锋用笔笔毛散开而笔痕丰富虚灵、轻松飘逸、面积较大，皴擦点簇常用散锋。五代荆浩在《笔法记》中提出：“凡笔有四势，谓筋、骨、肉、气。笔绝而不断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚正谓之骨，迹画不改谓之气。”古人总结了用笔的几种特点： 1．平，如“锥划沙”，力量匀实，不结不滞，只有控制住笔，线才能平实有力。 2．圆，如“折钗股”，丰腴，光滑圆润，圆转有力，富于弹性，转折自如，刚柔相济，富于弹性而有力量。 3．留，如“屋漏痕”，高度控制，积点成线，不漂不浮，象刻进墙皮，沉稳有力。线条是高度控制，行处皆留，意到笔随。宋郭熙说：“一种使笔，不可反为笔使；一种用墨，不可反为墨用。笔与墨，人之浅近事，二物且不知所以操纵，又焉得成绝妙也哉？” 4．重，如“高山坠石”，下笔就有力量，笔的压力要大，要压得住纸，充满力量，力透纸背，入木三分。 5．变，如“百川归海”、“惊蛇入草”。第二节墨法中国画又称为水墨画，墨在中国画中就是黑色。中国画古代有墨分五彩之说，即黑、白、浓、淡、干、湿六种效果。墨的方法是为了体现绘画的丰富变化，“笔为骨，墨为肉”。所以墨法可以说是一种用水的方法。根据水的多少，我们分为焦、浓、重、淡、清五个变化阶梯。因为墨有新、旧、陈、变，又把墨质分为新、焦、宿、退、埃五种质。由于墨色的不同处理，产生了不同的墨的变化形象，可分为枯、干、润、湿、漓五种感觉。在笔墨中，笔法更强调内力，而墨讲求“活”和“变”。古人把用墨的种种变化归纳为如下的方法称为墨法。用墨之法，前人有很多经验，总结起来，主要有七法：浓墨法、淡墨法、焦墨法、宿墨法、破墨法、积墨法、泼墨法。“古人墨法，妙于用水。”所以墨法，离不开水的运用。 1、浓墨法：运用浓墨，要浓而滋润、活脱。用笔头饱蘸浓墨后速画。 2、淡墨法：有湿淡、干淡两种，湿淡是笔上先蘸清水，然后蘸少量浓墨，略加调和后速画。 3、焦墨法：焦墨用法关键在于笔根仍需有一定水分，在运笔挤压中，使水分从焦墨中渗出，达到焦中蕴含滋润的效果。 4、宿墨法：分浓宿、淡宿两种。由于宿墨脱胶而含渣，墨迹显露。故用笔时要注意虚灵、松动，更不得拖涂。 5、破墨法：分浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干，还有水破墨、墨破水、墨破色、色破墨等多种变化。破墨法要注意在墨色将干未干时进行，以利用水分的自然渗化。用笔的方向也要注意变化，
中国画的形式之美
《中国画的形式美》教案备课人：金婷
初中美术说课模板一 尊敬的评委老师： 你们好！今天我说课的内容是中国画的形式美，我将围绕教什么，怎样教和为什么这样教从教材分析、学情分析、教学目标、教学重难点、教学准备、教法方法和教学过程七个方面来汇报我的教学设计。 一、教材分析 本课节选自人民美术出版社的美术八年级上册，在新课改理念下，我明确了本课课型属于设计应用领域。之前，我们学习了山水画，这为过渡到本节内容的学习起到了铺垫作用，因此，本节的内容具有不可忽视的重要地位。 本节内容前面承接本教材的中国山水画内容，后面是本教材三位中国美术家的内容，所以学好此内容为今后学好美术知识打好基础，起到了承上启下的作用。 二、学情分析 进入八年级后，初中生的个体差异趋向明显，形象思维往抽象思维转化，但形象思维仍然占主体地位，因而直观性教学更贴近学生实际，对于美术课程的学习，利用图片、图像等直观演示，能够比较直接的激发学生的学习兴趣，活跃课题气氛，促进学生对知识的掌握。
三、教学目标 教学目标必须从学生角度出发，同时结合教材人文与科技的特色。 通过本课的学习，使学生感悟到中国画具有丰富文化内涵，并内化为热爱祖国的情怀。运用形式美因素和法则对中国画的形式美进行分析，从而加深对中国画的整体认识和理解。 四、教学重难点 根据教材内容和学情分析，我确定本课教学重点为： 教学难点为：中国画形式美各因素的价值判断，即对形式美的把握。 教学兴趣点为：赏析中国画的笔墨美感。 五、教学准备 巧妇难为无米之炊，因此备好画具是上好本课的前提条件。 教师准备：教材、多媒体课件画具等 学生准备：网上资料收集画具等 六、教学方法 我以观察、问答、小组讨论等多种方法结合来完成我的教学内容，另外以多媒体课件贯穿全课。 七、教学过程
中国古典绘画的审美特征
中国古典绘画的审美特征 ——中国画与诗歌的融合 中国绘画是中华民族艺术的结晶，历史悠久，内涵丰富，它的形式和美感有别于世界其他绘画艺术，它是中国古代哲学、美学、文学、书法、宗教等多种文化形态所蕴育的一种特殊的艺术。从某种意义上说，大多数中国画家首先是文人，然后是画家。因此绘画与书法、诗歌有着紧密联系，它们之间互相丰富、互相渗透、融会到一起而形成的一种综合性表现艺术，可谓“诗画同源”，诗中有画、画中有诗。一是在画面的形式上诗文与画结合；另外一层含意是画境的诗意，是指画家创造的艺术形象中饱含着诗的意趣，这正是画家努力求得的境界。所以中国文人看画有读画之说，如果说笔墨为画之体貌，诗意则为画之灵魂，笔墨与诗意相融相辅而成画。 中国最早的文学成就是编纂于公元前6世纪的中国第一部诗歌总集—《诗经》。而中国诗画开始联系起来是因为刘褒为《诗经》上的《北风》、《云汉》二诗配了二幅图。到晋代的顾恺之根据曹植的《洛神赋》画了《洛神赋图》。至晋末陶潜开始创作田园山水诗，并出现一批山水画家。自此以后山水田园诗逐渐发展起来。这些诗人画家，虽然不曾有意识的将诗画结合起来，但却同时向山水田园诗画发展，使题材内容有了新的发展方向，再者，这些诗人画家的道佛思想极其浓厚，在审美最求上也大体相同。所以他们的诗画创作思想也有相似之处。到唐代时，是诗歌的辉煌时期，诗画结合也已明朗化，诗人画家或为画题诗，或为诗作画。可见诗画结合在唐代已经逐渐发展起来，而且各种形式都已具备。而宋代的诗与画的密切关系，已经相当明显了，而且也已经发展到成熟的阶段。并由于苏轼提出总结性的“诗中有画”与“画中有诗”的美学原则，成为千古定论。自此以后，诗人画家都以此为最高的审美追求和创作目的，导致诗配画和画配诗及画上题诗、自画自题，成为普遍的诗画创作的美的形式和标准。 绘画史一般把王维看成“诗中有画”与“画中有诗”的代表人物。苏轼也是一个诗画结合的积极倡导者和实践者，后人评价苏轼，说他“以诗为有声画，画为无声诗”，这也是一个非常高的评价。画上题诗题款，也可以起到画龙点睛的作用。如人们面对一幅写意山水或写意花鸟画，有时就很难看懂画家所要表达的思想感情，但通过画上的题诗题款，就比较容易把握作画者所要表达的内容。而诗的取材时非常广泛的，反映的社会内容也是极为丰富的，这也是诗的一大特点，上至天文，下至地理，应有尽有，从而全面的反映了社会生活的各个方面，所以诗完全可以称的上是一幅社会的风情画，也正是这样，促使中国画与诗紧密联系。当画家意识到一位画家可以像诗人那样乘兴之所至而记录下自己情绪状态以及这美景时，绘画就开始诗化了。诗除了可以影响画家的情绪之外，还可以用其独特的审美特色影响绘画的审美趣味，而中国画之所以情感丰富，也无疑受到了诗歌美学的启示。 苏轼在评论唐代王维的作品《蓝田烟雨图》中指出：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”。丰子恺也说“：中国诗人作诗善用绘画技法”。古希腊抒情诗人西蒙尼得斯说“：画为不语诗，诗是能言画”，所以诗与画不仅关系密切，而且相互融合，相互辉映 中国画与诗相融历来已久，二者相融，可以取长补短，增强感染力，不仅使中国画与诗异彩纷呈，同样也相互辉映。中国画与诗作为两门艺术，各有其特点，
中国画论文：浅析中国画的艺术特征
中国画论文：浅析中国画的艺术特征 张静 （武警政治学院，上海200435） 摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。 关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨 中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。 一、以形写神。畅神达意 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。 中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国
中国画的形式美
中国画的形式美 一、教材分析 1．内容、地位、作用 本课是欣赏评述课。主要是通过运用上一课对中国画意境的认识，进一步拓宽对中国画的欣赏，帮助学生学会从形式语言的角度获得审美体验，加深学生对中国画作品的形式语言的认识和理解，感受中国画的社会价值，从而为学生下一课用电脑制作“山水画”奠定基础，提高学生的创作欲望。 2．教学目标 根据新课程标准和教材要求，本着提高学生对美的感受能力和艺术创造能力，培养学生形成良好的思想品德，确定本节的教学目标为： A．知识目标： 识记：中国画将绘画、书法、诗歌和篆刻进行有机的结合，形成了中国画独特的形式美；理解：理解中国画通过形象、笔墨、色彩、章法等外在的形式语言表达作者的情感； 运用：运用现有知识，能对中国画的形式有一定的见解。 B．能力目标： 通过学习，能运用形式美的因素和法则，探究中国画的综合性。通过分析中国画的形式，加深对中国画的整体认识。能依据所学的形式，进行大胆的创作。 C．情感目标： 以鲜明的时代精神和艺术个性促进民族传统绘画的变革和升华。感悟中国画具有的丰富内涵，并内化为热爱祖国的情怀。 3．教学重点与难点 重点：赏析中国画的笔墨美感。 难点：中国画形式美各因素的价值判断（对形式美的把握）。 二、教法运用 依据本课的性质及学生情况，我主要采取“分组讨论法”，以实例为线索，充分动用多媒体，不断采用欣赏—启发—讨论—归纳相结合的教学方法。在实例的引导下，调动学生的积极性和自觉性，由感性认识上升到理性认识，使每个学生都能参加到动脑的积极思维中，真正做到面向全体。运用投影现场演示，优化课堂教学，激发学生兴趣，提高课堂效率。并提问不同层次学生，这样多法并用，既培养了他们分析作品的能力，又启发了学生的思维。 美术欣赏课是让学生知道一些美术欣赏的语言，对作品有一定的见解。 三、学法指导 中国画如同一切文化遗产一样，在不断发生着变化。在这过程中，中国画形成了独特的形式美，要想让学生在短时间内归纳中国画的形式是一件很难的事，因此本课利用大量实例展示，让学生沿着形象、笔墨、色彩、章法均为表达作者的思想感情这一思路，启发学生的发展思维。 四、教学程序 本课主要通过新课导入、讲授新课、课堂展示、课堂小结四个程序进行教学。 新课导入 上课时，我先提出这样一个问题：同学们，你们知道中国古代美术作品品评的标准和重要原则吗？以这样的问题进入新课更能引起学生学习的兴趣。中国古代美术作品品评的标准和重要原则──《六法》最早出现在南朝谢赫的《画品》中。 用课件展示《六法》的具体内容：
中国画的种类和表现技法
种类和表现技法 山水画分为水墨山水和设色山水两种。 顾名思义，水墨山水主要以水墨作为表现形式；设色山水一般在水墨山水的基础上施以淡彩或重彩，可分浅绛山水和青绿山水。亦有淋漓尽致的泼彩山水和没骨山水。 中国山水画技术成熟很早，且有长久的发展，笔法、墨法、章法、意境、肌理效果及敷彩，无不融汇在山水画中，可谓集中画技法之大成。所以学习山水画应该从基本方法入手，由浅入深，由此及彼，由表及里，上不求索。摹、写生、创作的反复实践，就能画出有既有传统又富有个性山水画，使“情与景会，意与相通”。 1、山水画的表现技法。实质上可以说是一个用笔、用墨和设色的问题。山水画的用笔多种多样。这是由毛笔的性能决定的。它可以勾线、点苔、涂面、可皴、可擦、可染；笔锋可聚可散，用墨可干可 湿。 2、笔锋的运用，有中锋与侧锋、顺锋与逆锋、藏锋与露锋、聚锋与散锋。行笔有快与慢，轻与重，轻挥与顿挫。笔趣有巧与拙，刚与柔，光与毛等等。这些传统的用笔方法可以作出不同艺术效果和各种不同的质感。 3、中锋用笔最广，常用于勾勒物体的轮廓。比如树木的枝干，人物、车船等和各种点，如圆点、斜点、直点、横点、渴点（干笔点），夹叶也多用中锋。 4、侧锋多用于山石的皴擦，树木的横染，以及画树叶等。 5、散锋多用于画山石、树木、皴擦点染，因势利导，效果颇 佳。 6、用墨要有浓、淡、干、湿等层次变化。浓墨又有浓湿与浓干，淡墨又有淡湿与淡干的区别。一笔墨可出现浓淡干湿和墨色变化。古人啖“墨分五色，就是形容用墨有千变万化，仿佛有色彩的感觉。因此，要掌握墨性。 7、山水画的墨法，分泼墨法，积墨法和破墨法。 泼墨法，就是用阔笔蘸墨大写，使墨彩生发多种变化。它的主要待点是一道墨趁湿可以适当补加，并要注意细心收格，此法常与破墨法结合。
论中国传统绘画的审美特点
论中国传统绘画的审美特点 摘要：中国传统绘画有着深厚的文化底蕴和独立的价值取向，承载着中国人独特的审美意识和艺术哲学。中国画线条的节奏与韵律美的特征，笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美等，这些都赋予了它独特的审美价值和内在属性。 关键词：线条、笔墨、意境、和谐 中国传统绘画有着鲜明的民族属性和悠久的历史渊源，并且这一艺术形式在世界绘画史上也占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。绘画的一般审美特征主要表现在线条美、色彩美和构图美上，而中国传统绘画在其基础上又有独特的美学体系。这主要表现在中国画线条的节奏韵律之美、笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美。这些审美特征构成了中国传统绘画的外在形式之美和内在精神之美，是中国传统绘画经久不衰的灵魂之所在。 一、线条的节奏韵律之美 线条是中国传统绘画独特的艺术语言，构筑着延续了几千年历史的中国绘画艺术。线条美是构成绘画形式美的一个重要形式，凌继尧曾说：“中国画的笔法不是静止立体的描绘，而是流动的，有节奏的线纹，借以象征宇宙生命的节奏。比较中西方绘画，可以发现这一特点。希腊的画，如庞贝古城遗址所见的壁画，远看如重的雕塑，他们强调对称、比例、平衡、整齐；而中国古代花纹图案或汉代壁画，则是飞动的线条。中国人物画也是一组流动线纹的有节奏的组合。”[1] 线是中国画造型的基础，从留存至今的新石器时代陶器上，可以明显的看出描绘几何形纹样的线。至殷周时期，人们在铜器上描绘的狩猎、交战及动植物形态等已把“线条”的应用提升到中级阶段，除了表现形之外，同时也表现了动态。继而汉代时期绘画用线表示动态的能力达到了高峰，如汉代壁画中奔驰的马及人物画等，到了晋代，顾恺之的《洛神赋图》和汉代壁画虽同为线条，但感觉已大不相同，这时的线不仅只是表述形态，同时对物象质感的表现及线本身的形式美已有所发展。至唐代线已可以成功得表现出物的质感，如唐代张萱的《虢国夫人