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艺术的形式与理论价值

对艺术作品结构的探讨，历来都为美学和艺术理论所关注，且众说纷纭。但众多的说法中，对艺术作品所做的内容与形式的二分，影响最大，也最为深远。“长期以来，关于艺术品的形式／内容的二分及其互相对立的思想，在文艺理论史上占据主导性地位。”因此，谈艺术作品的结构，不可能不谈及内容与形式的二分，也不可能不谈及内容与形式对于艺术的重要意义。

作品结构上的内容与形式二元对立的思想在近代美学中正式形成，但在一定程度上也包孕在古典美学中。柏拉图认为，艺术作品是“理式”的“影子”或“幻像”；艺术作品只能在“外形”上对“理式”加以模仿，而不能分享“理式”本身。在这里，一方面，还没有内容和形式的二元对立的思想；另一方面，艺术作品只是“外在的形式”，“与真理隔了三层”，这也隐约暗示着后来形式与内容二元对立的某些因素。亚里士多德指出，事物为“材料因”形式因”“动力因”“目的因”等所规定；艺术作品是艺术家赋予材质以形式，形式本身就是作品的内容。这里的“形式”与“材料”的对立，虽不等于后世的内容与形式的对立，但无疑蕴含了二元对立的思想。

真正将内容与形式二元对立的思想在美学中发挥到淋漓尽致的是黑格尔。他认为，美或艺术作品作为感性存在，只是一种“形式”，其背后蕴含的“内容”是作为世界本源的“绝对理念”。黑格尔说：“艺术的内容就是理念，艺术的形式就是诉诸感官的形象。艺术要把这两方面调和成为一种自由的统一的整体。”但这种统一不是内容与形式的等价并列，而是有主与次，有高与下之分，作为内容的绝对理念是本体，高于它的显现形式。因此，内容是主因，决定形式，并且“形式的缺陷总是起于内容的缺陷”。黑格尔的内容与形式二元对立统一的美学思想，确实概括了当时艺术的概况，揭示出艺术作品在结构上的某些真理性的东西。但黑格尔是孤立的，尽管他的美学思想在当时的理论界震动巨大，可在艺术实践领域，“他的学说没有发生多大影响，感性主义和形式主义一直在泛滥着。”特别是重形式的现代艺术崛起后，对内容的强调已变得不合时宜。

西方现代艺术的发展，在一定程度上可以说是“形式主义”的和“抽象主义”的，前者弃绝艺术的内容转而致力于对纯形式的专注和开掘，而后者累于沉重的内容，将其“抽象”为单纯的“形式”。诚如李斯托威尔所言：“在近代艺术和近代艺术批评家当中，出现了一股强大的形式主义倾向。”这股形式主义不仅表现在克莱夫·贝尔等人所倡导的视觉艺术领域中的形式美学，也表现在文学中的俄国形式主义、英美新批评以及法国结构主义美学思潮等。它们涉及的领域和探讨的对象不尽一致，但其理论趋向却是一致的：它们仍然基于内容与形式的二元对立思维，弃绝内容，单纯地在艺术形式或文学形式上探究“本质性”的东西。英国的克莱夫·贝尔主张：“艺术除了呈示其形式关系的抽象式样之外，就再也没有更重要的东西了。其余一切，如情调、信息以及理性的内容等，都与艺术无关，毫无美学价值。”在这里，已无内容与形式相统一的问题，而是说内容根本就与审美无关，因而应从艺术中坚决加以清除。在文学研究领域，20世纪初俄国形式主义者及布拉格学派，单方面突出形式的作用，认为并不是内容决定和创造形式，而是形式决定和创造了内容。“文学可以表现各种各样的题材内容，文学作品的特性就不在内容，而在语言的运用和修辞及技巧的安排组织，因此文学性仅存在于文学的形式。”三四十年代英美新批评派步其后尘，英国文学批评家、诗人兰色姆提出“架构—肌质”理论，认为诗的本质不在于内容的逻辑陈述(即“构架”)，而在于与“构架”相分立的细节部分即“肌质”。“兰色姆所说的构架和肌质尽管与通常所说的内容和形式不能完全等同，但与后者还是大体类似的。”

形式主义把艺术实践和批评引向了艺术自身核心的东西，确实揭示了以往艺术研究所忽略的重要的东西。对于形式主义美学及其理论价值，或许可以用克罗齐一句话加以概括：“审美的事实就是形式，而且只是形式。”

艺术美和形式美Word版

第6课艺术美和形式美一、课程分析：本课是人民美术出版社普通高中美术课程标准试验教科书《美术鉴赏》教材中的第六课: 《漂亮是美术鉴赏的标准吗？——艺术美和形式美》。它是在学生前几课初步了解了美术鉴赏相关的基础知识之上，开始学习的专业美术鉴赏基础知识。从本课开始学生进入到美术专业领域欣赏评鉴活动。本课涵盖两个概念：艺术美和形式美及二者间的关系，其中涉及美的不同形态，本课应让学生掌握在形式美构成的元素、手段、规则的基础上理解艺术美与现实美的异同，掌握鉴赏艺术美的基本方法。教材容量大且难度深，加之对高中学生是否有相关知识支撑不了解，授课难度非常之大。二、学情分析：由于本课涉及整个艺术领域，提到了一个很专业的高度。而对高中学生美术基础知识储备情况和基本素养也一概不了解，本课教学难度之大可想而知。因此，激发学生内在的学习兴趣，是完成本课教学目标的关键。三、设计理念：根据《普通高中美术新课程标准》，把握新课改以校为本、以学生发展为本的教育理念。自主学习中注重美术本体知识的渗化理解，运用媒体手段扩大知识的外延与内涵，使学生深入理解全课要点达到掌握新知的目的。四、教学目标： 1、知识与技能：感知美的多种形态，了解什么是美术作品的艺术美和形式美及二者的区别与联系；并能运用它们进行美术鉴赏活动。 2、过程与方法：促进学生欣赏评述、语言表达能力的发展；锻炼学生实践操作能力，提高审美素质。 3、情感、态度、价值观：开阔学生视野，获得正确的审美观念，帮助学生自我建构学科体系，完善、健全学生人格，提升审美品位。五、教学评价： ①能否积极探究，大胆正确描述范例所展示的美术作品的艺术特点及人文内涵。 ②能否运用艺术美和形式美理论知识，解决现实美术作品赏鉴问题。

论设计艺术中的形式美

论设计艺术中的形式美一件优秀设计作品的美感和对受众的视觉冲击力,在很大程度上是取决于设计中的形式美因素,形式美既是一种时代潮流的体现,也是艺术风格的体现。对形式美的应用与表现反映了设计中对美的内在规律性的把握,是设计者在设计中表现美的有效方法和途径。好的设计就是美的。探讨形式美的法则，是所有设计学科共通的课题，我们现在研究形式美在各个设计领域中的应用时，更应该注意到这种影响对设计风潮的意义。从定义上来说，形式美是指自然、生活、艺术中各种形式因素及其有规律的组合所具有的美。单从形式条件来评价某一事物或某一视觉形象时，对于美或丑的感觉在大多数人中间存在着一种基本相通的共识。这种共识是从人们长期生产、生活实践中积累的，它的依据就是客观存在的美的形式法则。简单来说我们平常所看到的自然景物或者人为景观，例如高大的杉树、耸立的高楼大厦、巍峨的山峦尖峰等，它们的结构轮廓都是高耸的垂直线给人以上升、高大、威严等感受；而水平线则使人联系到地平线、一望无际的平原、风平浪静的大海等，因而产生开阔、徐缓、平静等感受。这些源于生活积累的共识，使我们在以后的应用中不自觉的按照这种法则进行设计，逐渐形成了形式美的基本法则。时至今日，形式美法则已经成为现代设计的理论基础知识艺术创作的范围很广，根据数学中举证的原理，我选择了产品设计、建筑艺术、平面艺术和雕塑与绘画这几个具体的方面举例来说明形式美在设计中的表现。 1．产品设计从产品设计的角度来说，代写硕士论文沿用本身的材料美，维持材料特征，从而创造出新的使用形式，就数芬兰的设计师阿尔瓦·阿尔托，他的作品是应用当地材料，结合现代工业精神与波罗的海地区传统进行创新，已成为国际上驰名的芬兰产品。“创造一种新的造型形式来表现具有特殊功能的产品的依据有产品的特有的功能、设计师平时的审美素养和设计技巧、现代时尚的审美趣味、现代先进的制造技术、入机工程学的原理。不同的经营理念导致产品个性异样化与风格统一化并存的状况。”这便是对产品设计中体现形式创作的精辟解释。 2．建筑艺术建筑艺术语言和表现手段包括空间、形体、比例、均衡、节奏、色彩、装饰等许多因素，正是它们共同构成了建筑艺术的造型美。例如希腊帕提农神庙，它距今已经有2400年的历史了，在建筑风格上采用的是多立克柱式，在形式上具有造型端庄，比例匀称的特点，千百年来的建筑设计师们在对希腊帕提农神庙进行了研究后一致认为，希腊帕提农神庙之所以这样美，就是因为他的长、宽和高都符合形式美的法则。由于形式美在建筑艺术中具有如此重要的作用，所以意大利文艺复兴时期的著名建筑家帕拉第奥在谈到建筑的形式美时，甚至认为“美产生于形式，产生于整体和各个部分之间的协调”。 3．雕塑与绘画中的形式美

清华大学美术学院清美艺术史论专业考试内容

清华大学美术学院/清美艺术史论专业考试内容信息来源：清华大学美术学院2018年本科招生简章清华大学艺术史论校考考试科目：文化测试（语数外，300）+作品评析（100分）外语为英语语种，作品评析主要鉴赏美术作品，围绕美术作品阐述相关内容。清华大学艺术史论校考考试要求：文化测试：旨在测试考生中学阶段所学数学、语文、外语知识的掌握。作品评析：旨在考察学生的写作能力以及对艺术作品的分析和鉴赏能力。清华大学艺术史论校考考试时间要求：语数外3小时，作品评析2小时。清华大学艺术史论校考考试用笔要求：钢笔或签字笔清华大学艺术史论校考考试日期：每年2月25日清华大学艺术史论校考现场确认时间：每年2月22日、23日备注：专业考试期间食宿和交通费用自理，考试用具（颜料、画笔、画板等）考生自备，考试纸张由我清华大学美术学院统一提供。清美艺术史论专业考试内容是什么___好考吗？

从招生人数看：清华大学艺术史论专业连续3年均招生15人，与设计学类、美术学类比招生人数是偏少的。艺术史论报录比大约为100:1，考试难易程度属于不激烈。从发证比例看：清华大学艺术史论专业按照录取人数：合格证数=1:4的比例发放，即艺术史论专业60个校考合格证。难易程度数正常水平。从招生范围看：清华大学艺术史论专业面向全国招生，且每个省份录取不超过2人，每个省份合格证发放不超过8张。考试难易程度还需按照考生所在省份报考人数来衡量。本篇内容由小美院搜集整理，小美院专注艺术史论、艺术考研、摄影艺考、传媒艺考辅导仅供参考，最新信息请于各高校官网查看，部分图文来自网络，如有侵犯请私信。

表演艺术基础知识

表演艺术基础知识李?R?波洛克对于电影表演的独特性的阐述则由五个基本元素构成： A、演员与观众的分离; B、摄影机和它对演员的影响; C、表演不按顺序; D、表演分成独立的小单位; E、通过剪辑重新结构表演。因此，在这篇论文中，我将不再拘泥于以往的一些戏剧表演理论，而尽可能地引用一些现当代的电影艺术(尤其是电影表演艺术大师的)理论来巩固、充实我的论题和论述。二、电影表演的历史发展在我论证“电影的本色表演与本能表演”之前，首先必须来论述一下电影表演的历史演进，而我最为欣赏和赞同的对于电影表演历史的总结是：李?R?波洛克在《电影的元素》一书中所言的六个发展时期： 1、电影时期，电影演员的表演主要是由夸张的表情和手势等动作构成的，譬如卓别林、璧克馥、哈特和瓦伦蒂诺等，他们在银幕上表现出夸张的人物，很少真正展示出任何风格特征。因为当时的电影表演是从哑剧表演开始的，而哑剧表演只能传达最基本的情绪。 2、有声电影的发明给电影表演的发展注射了一针强心剂，它使演员摆脱了夸张的手势和哑剧表演，但由于这时的演员大多数局限于舞台上学习训练的表演艺术，所以早期有声片的表演仍旧是过火的。 3、在30年代末和40年代，电影表演艺术的主要发展是“银幕名牌”(明星效应)的兴起，这种情况最为典型的例子是美国好莱坞，当时的蓓蒂?戴维斯、斯宾塞?屈塞、克拉克?盖博等等，他们作为演员，不如作为“名人”更有号召力，他们在众多的角色中很少改变他们的表演风格，而是用个人化的表情动作和手势来装饰每一个角色，这些动作表情(诸如盖博的微笑、屈塞的低垂的脑袋、戴维斯的手等)使观众觉得他们很亲切，并且成为他们的表演标志。 4、在二战前后，随着导演把摄影机和麦克风移得离演员越来越近，以及镜头、摄影机和录音设备的日益改进，演员的表演显得越来越细腻，声音可以压低，从而使对话越来越真实，人们开始互相交谈，而不是对着看不见的观众说话。面部表情，手势和形体动作减少了，其实也就是发展了演员所处的真实空间，让演员可以更加深信自己的角色环境与氛围，从而引发演员的本能意识，开始调动演员的本能表演，也就是电影表演特征的基本五元素确立，由此电影表演作为一门独立的艺术形式开始得到初步的发展。 5、50年代开始，在欧洲艺术家的进一步探索中出现了宽容的艺术创作态度和活跃的艺术风格，促使电影表演向更高层次迈进，一批杰出的英国戏剧演员开始使他们的表演艺术适应银幕，他们把英国舞台传统的华丽雄壮的表演格调压低，但保留着英国著名剧院非常注重细节的特点，而这其中最为伟大的表演艺术家就是曾以《哈姆雷特》和《蝴蝶梦》名噪一时

第6课艺术美和形式美教学设计

【高一上学期美术教学设计7】：第6课艺术美与形式美教学目标： 1、知识目标：通过本课的学习，让学生了解什么是艺术美以及掌握形式美的语言元素、语言手段、语言规则等相关知识。 2、过程与方法目标：通过一些美术作品的赏析，让学生学会运用形式美的相关知识和自己的经验，描述、分析自己身边的美与艺术的美。 3、情感、态度和价值观目标：通过本课的学习，让学生体验与感受美术作品的艺术美与形式美的同时，激发学生的审美欲望，促进学生审美观的发展。教学重点：对艺术美与形式美的相关知识的掌握。教学难点：运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。教学过程一、直观导入欣赏、判断让学生欣赏“自然美、社会美”的图片及“艺术美”的作品，并判断其类别。 [提问]（1）、请指出哪几件作品是体现自然美、社会美、艺术美？并举例出生活中我们所熟悉的美。自然美：“好雨知时节，当春乃发生，随风潜入夜，润物细无声”（杜甫）；“北风卷地百草折，胡天八月即飞雪，忽如一夜春风来，千树万树梨花开”（参岑）社会美：社会美可分为两种形态，一是直接形态，如物质环境、物质产品、人的服饰仪表、行为举止、话语谈吐等，这类社会美是形之于外的，可以直接感知的，我们的审美活动大都体现在这一范围之内。社会美的另一种形态是间接形态，如政治制度、经济状况、时代精神、社会治安、社会风尚等等，这类社会美并不体现在某一具体现象上，而是体现在社会生活的各个角落。因此，我们需要透过复杂的现象，经过分析思考，才能掌握其中的本质。总之，这类社会美我们无法直接欣赏，只能间接地进行体味，这无疑增加了欣赏活动的难度。（2）、罗丹的《欧米艾尔》，我们能不能用“漂亮”、“好看”来形容这种作品的艺术美呢？ [讲述] 《欧米艾尔》既不“漂亮”，也不“好看”，但给我们以心灵和审美上的震撼。作品传递给我们一种“残缺美”或是“凄美”。 [提问] 漂亮、好看是美术鉴赏的标准吗？ [讲述] 如果我们要掌握美术鉴赏的标准，那么我们必须要了解什么是艺术美和形式美。二、展开新课 1、什么是艺术美？它有哪些表现？比较、分析（1）《开国大典》的摄影相片与油画作品比较

中国美术史画论专题

中国画论专题一、魏晋时期： 1、背景缘起：艺术史论的发展是和艺术创作的繁荣密切相关的。两汉以来文艺创作的长足进步提出了新的理论要求，既需要理论的总结和指导，也需要提出文艺评论（批评）的标准，这更促进了文艺理论的发展。同时，魏晋以来玄学的兴盛起到了解放思想的作用，为社会生活带来新的风气。玄学清议和人物品藻直接影响到文学艺术，首先是在文学中出现了第一批理论文章和专著。理论探讨的氛围和文学作品的风气引起了人们对于绘画理论的关注。以顾恺之的论画和谢赫的画品为代表的著述，是绘画史上最早出现的理论专著。 2、顾恺之的画论：顾恺之的画论著述流传下来的有《画云台山记》和《论画》两篇。《画云台山记》是篇绘画创作构思性笔记，《历代名画记》征引《论画》和《魏晋胜流画赞》两篇文字，实际上均是顾恺之《论画》中的不同段落，前面是画评，后面是摹写要法。顾恺之明确地提出了绘画表现对象的要求，“凡画、人最难、次山水、次狗马、台榭一定器尔，难成而易好，不待迁想妙得也。”这里他继承了战国时期朴素的唯物主义而有了进一步的发挥。顾注重人物画的“传神”，认为“四体妍媸本无关妙处，传神写照正在阿睹中”在阐明传达人物神情气质的同时，又强调绘画技巧的重要性，其认为临摹时要对原作进行深刻理解，才能自然而准确地再现，提出“上下大小浓薄有一毫小失，则神气与之俱变矣”。顾恺之论画的功绩在于把对绘画的一般性论述提高到独立的理论认识高度，从而开创了中国古代艺术理论研究的领域，是继卫协之后极重神韵的画家，对后世有深远的影响。绘画“六法”的产生，古代绘画千余年来对气韵、神采的追求，都是直接或间接地与他的理论相关。 3、谢赫的《画品》谢赫是南齐（479-502）前后的画家、理论家，以时装人物和肖像画为题材进行创作，但主要贡献在绘画理论方面。《画品》是古代第一部分对绘画作品、作者进行品评的理论文章。《画品》中提出了绘画的社会功能以及品评绘画的六条标准，即“六法”，同时也对曹不兴以来的27为画家分别品第高下。提出绘画的功能：“明劝诫，著深沉，千载寂寥，披图可鉴”承继了曹植“存乎借鉴者，图画也”的理论思想，十分明确地概括出绘画创作与政教密切相关的理论主张。 “六法”是：“一、气韵生动，二、骨法用笔，三、应物象形，四、随类赋彩，五、经营位置；六、传移模写”。气韵生动是把生动地反映人物精神状态和性格作为艺术表现的最高准则。骨法用笔是指通过对人物外表的描绘反映人物特征的笔法要求，应物象形、随类赋

北京电影学院表演学院电影表演创作及理论考研参考书笔记

第四讲表演动作一、什么是动作动作，也称行动，是表演艺术中最为重要的因素之一。亚里士多德在《诗学》中为悲剧下的定义：“悲剧是对一个严肃、完整、有一定长度的行动的模仿。” 斯坦尼斯拉夫斯基：“动作、活动——这就是戏剧艺术、演员艺术的基础。‘戏剧’一词在古希腊文的意思是‘完成着的动作’。在拉丁文里，它和actio一定的意思相等，这个字的字根act也转化成我们的（活动）、（动作—演员）、（动作）。所以，舞台上的戏剧便是我们在眼前完成着的动作，走上了舞台的演员便是动作着的人。” 劳逊：“‘动作是戏剧的根基’，这一句简单的话说明了一个基本真理——但是解释这个真理，却并不简单。” 二、动作类型美国戏剧家贝克将动作曾作为如下分类：（1）纯粹外部动作（2）性格化动作（3）帮助剧情发展和说明剧情的动作（4）内心动作（5）静止动作叶涛、张马力教授：（1）意志性行动与冲动性行动（2）必然性行动与偶然性行动（3）现实性行动与非现实性行动（4）再现性行动与表现性行动（5）主动积极的行动与消极被动的行动（6）语言性行动与动作性行动（7）虚的行动与实的行动（8）贯串的行动与不贯串行动一般分类： 1、形体动作（1）定义：它是指表演中消耗身体（五官、四肢、身躯）能量的一种活动，它是观众可以直观到的动作，也称外部动作。角色必须由动作来传达；动作将角色情感外在化的手段；观赏的直观性对动作的要求。（2）抽象目的与具体目的相合一 2、心理动作定义：是指改变角色或角色间的意识状态的动作，由于它是看不见的内在动作，也称内部动作或内心动作。角色心理动作不是演员的心理动作：人不可能同时思考两件事情。（1）心理动作看不见；（2）观众只能看到心理动作的表现形态；（3）舞台上的一切心理动作都要通过形体动作来呈现；

《艺术美与形式美》教案

《艺术美与形式美》教案教学目标： 1、知识目标：通过本课的学习，让学生了解什么是艺术美以及掌握形式美的语言元素、语言手段、语言规则等相关知识。 2、过程与方法目标：通过一些美术作品的赏析，让学生学会运用形式美的相关知识和自己的经验，描述、分析自己身边的美与艺术的美。 3、情感、态度和价值观目标：通过本课的学习，让学生体验与感受美术作品的艺术美与形式美的同时，激发学生的审美欲望，促进学生审美观的发展。教学重点：对艺术美与形式美的相关知识的掌握。教学难点：运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。教学过程一、导入欣赏、判断让学生欣赏“自然美、社会美”的图片及“艺术美”的作品，并判断其类别。 [提问]（1）、请指出哪几件作品是体现自然美、社会美、艺术美？并举例出生活中我们所熟悉的美。社会美：社会美可分为两种形态，一是直接形态，如物质环境、物质产品、人的服饰仪表、行为举止、话语谈吐等，这类社会美是形之于外的，可以直接感知的，我们的审美活动大都体现在这一范围之内。社会美的另一种形态是间接形态，如政治制度、经济状况、时代精神、社会治安、社会风尚等等，这类社会美并不体现在某一具体现象上，而是体现在社会生活的各个角落。因此，我们需要透过复杂的现象，经过分析思考，才能掌握其中的本质。总之，这类社会美我们无法直接欣赏，只能间接地进行体味，这无疑增加了欣赏活动的难度。 [提问] 漂亮、好看是美术鉴赏的标准吗？ [讲述] 如果我们要掌握美术鉴赏的标准，那么我们必须要了解什么是艺术美和形式美。二、展开新课第一环节、知识点一、艺术美艺术美定义和美术形象定义提问：自然美或者社会美可以代替艺术美吗？为什么？（首先，社会美与自然美本身的形式与内容，无论是在历时性方面还是在共时性方面都难以做到完全一致。社会美的内容是普遍的、自由的，但它的表现形式常被特定的情势所限定，常常是不自由的、偶然的，缺乏普遍性的。例如“勇敢”品质作为一种审美对象，在不同情况

艺术理论和艺术史论的区别

艺术理论和艺术史论的区别网友评论: 在国内的话艺术史专业和艺术理论专业没有区别，因为艺术史的学习和研究方式有一条最基本的就是史论结合，所以这两方面是不可能分开的。而从实际的院校专业设置上也是如此，一般会把艺术史类专业与艺术管理分开，据我所知天美、央美、川美都是这么来分的。近年来国内艺术史论系一般都成为艺术与人文学院，以前有的叫做美术学（更偏向于师范类），现在的美术学应该是师范类。人文学院内一边会划分各个方向，比如中、西美术史、文物鉴定、书画修复、视觉文化研究艺术管理的话更偏向于市场、艺术产业、艺术策展如果说视觉文化研究更像是艺术理论专业的话，学习方式上还是与学艺术史没什么区别。国外的艺术史类专业一般设在综合类大学的人文学院里较多，以美国为例，基本上人文学院都有艺术史专业，不像中国一般都存在于美术学院。艺术史作为一个跨学科性很强的专业，不仅限于艺术范畴，而是一个综合了文史哲，并与社会学、人类学、美学、心理学、符号学、政治哲学、文化研究等等学科有所关联的一门学科。而设立在美术学院的艺术史论专业又缺乏艺术动手的实践，在人文研究方面的训练也显得薄弱。我觉得还是国外的设置较为科学。考研的话，中央美术学院当然算实力强大的，其他各院校也有各自特点，根据个人综合考虑吧。毕竟北京吸霾也是折寿啊。网友评论:

完全不一样的专业，艺术史说到底还是史论，艺术学理论包括艺术门类学、美学、批评、民俗以及艺术与其他学科交叉等等。艺术史论的话除了清北之外，各大美院都是比较强势的，艺术学理论则是北大和东南比较强势。网友评论: 这两个专业的区别，我建议你看看官方的学科设置的内容。要详说，还挺复杂的。简单粗暴讲的话，顾名思义，艺术史会比较偏考据、梳理。而艺术理论专业会偏艺术学。二者其实也有很高的重合。网友评论: 现在美术史属于艺术学理论，艺术学理论还包括音乐史戏剧史等。艺术学理论最好的是中国美术学院、中央美术学院、清华、北大及中国艺术研究院、南师大等，看你个人的喜好以及导师研究方向合不合适，可以找一下这些学校这两年的招生目录，然后找本校研究生了解一下也许心里就有答案了，加油~ 网友评论: 我是艺术史论在读，你说的这三个专业在我们学校都算是人文学院的。艺术管理方向的我们叫文化产业管理，里面又分美术方向、音乐方向、演策方向。美术学我之前艺考有考过，大多数都是美术学管理、美术史论，美术批评。艺术史论学的东西就很杂，美术音乐舞蹈建筑雕塑等等各方面。文化产业管理，美术方向的依旧是素描、色彩，但是会有开设关于经纪人的课程，培养方向主要还是关于美术的幕后工作。我们都叫倒腾画的，发掘新画家，也会包含关于美术展的内容。选修的课程也大多都是，艺术经纪、艺术商务这些，也会接触一些古玩。美术学，主要还是理论研究，会上一些与文化产业管理相关的课。如果说文化产业管理（美术学）是开画展的话，那么美术学就是写评论的。美术学可能学习美术的专业技巧，研究美术史更多一点，如果有考虑做研究，做学问的话，美术学是个不错的方向。艺术史论，学的东西很杂，知识涉及面也会更广，但每一样都不能学的很好，就像走马观花一样。但艺术史论算在艺术文学里，也是适合那些像搞研究的人。广艺的艺术史论专业更多的也是和山艺靠拢，山艺我也考过，主要的考题方向还是集中在理论研究。不过，现在很多学校都在开设这个专业，八大美院可能是都有，我也记不太清了，美院的研究方向还是美术。其实，这三个专业都没有太强的专业性，说白了就是不好找工作。虽然学校每天说着，艺术与人文相结合的人才是社会所需要的，但其实自己心里都清楚，靠着

书法的起源与发展

书法的起源与发展书法的起源与发展课时：1课时教学目标 1．认知目标：通过本课的学习，了解中国书法的起源与发展的基本情况，加深学生对祖国源远流长的传统文化的认识。 2能力目标：初步了解中国书法的起源和中国书法发展的基本脉络，了解各种书体演变的大致情况和各历史时期主要书家及代表作品。 3．情感目标：通过本课的学习，初步体验和感受书法艺术的魅力，陶冶情操，增强民族自信心和自豪感。教学重点：中国书法的起源和中国书法发展的基本脉络，各种书体演变的大致情况和各历史时期主要书家及代表作品。教学难点：各历史时期书体演变及风格、特征的认识和把握。教具准备：多媒体课件、教科书。教学过程：一．组织教学：师生互致问候，目视学生课前准备。二．导入新课：多媒体放出书法作品。师：同学们都知道，书法是我们中国的国粹，是中华民族灿烂文化的一个非常重要的组成部分，有着非常悠久的历史，至今仍放射着无穷的艺术魅力，这节课我们就来了解有关书法艺术是如何发生和发展的。三．进行新课：（一）引导学生分析早期文字符号的特点。 1．请一位同学朗读：课本第24页第二段落“书法意识起源于涂抹和刻划，这就是古人所说的书画同源。仰韶文化陶器只就有刻划的图形和符号，学者认为这就是简单的文字。而且这种符号是用刀刻出来的。刀痕非常清晰。这表明五千年前居住在黄河流域的半坡人，已经以刀代笔，创造文字来表达自己的思想感情了。” 2．播放多媒体幻灯：远古时期的文字符号图片，引导学生分析早期文字符号的特点。设问1：这些文字符号的字形有什么特点？学生回答：象形。 3．通过播放多媒体幻灯，举例说明汉字的起源：关于汉字的起源，有庖牺氏八卦造字、神农结绳造字和仓颉象形造字等说法，但谁也不能断言。基本可以肯定的是，文字在出世并投入使用之后，有一个成熟过程，在这段道路上，是靠实用价值和审美价值这两条腿前进的。早在六千多年前新石器时代的仰韶文化时期，先民们就已经在日常使用的陶器上用笔来描画或者作记号。倘若"书画同源"之说有道理，那么文字史或者书法史起码不晚于此。书法意识起源于涂抹和刻划，就是古人所说的书画同源。仰韶文化

艺术史论试题

2003年湖北美术学院艺术史论试题名词解释 1谢赫“六法” 2《历代名画记》 3“元四家” 4文艺复兴 5学院艺术 6巴洛克艺术 7超现实主义艺术 8意境 9形象思维 10艺术风格问答 1美术家应该具备哪些方面的素质与修养 2为什么说艺术接受是一个再创造的过程 3被称为后现代美术现象有哪些基本特点 4二十世纪中期兴起的现代设计作为美术学科，其概念的基本含义是什么论叙美术的民族性、国际性、时代性之我见艺术的发生、发展规律 1:为什么说电影是一门综合艺术 2:什么是意境结合艺术作品说明. 3:什么是艺术风格艺术风格的多样性是如何形成的 4:什么是艺术意韵,结合艺术作品说明. 5:任写一篇影评,1000字左右. 美术学院外国美术史试题: 一 .名词解释:（每题5分） 1. 浪漫主义 2. 新印象主义（点彩派）二.问答题:（每题30分） 1.请指出19世纪法国新古典主义和浪漫主义绘画的主要代表人物，并比较两者在艺术主题与风格上的差异。 2.试分析超现实主义绘画的代表人物的艺术风格和哲学基础。

3.试论美国战后抽象表现主义产生的政治和社会基础和风格特征。美术史系外国部分一、填空(每空2分，共40分) 1古埃及最大的金字塔叫_______金字塔，它建于_______王国时期。 2古希腊美术发展史分期为______时期、______时期、_______时期______时期四个阶段。3中世纪欧洲教堂建筑的主要样式为______式和______。 4意大利文艺复兴盛期的三位美术大师是______、______、______。 5《纺织女》一画的作者是17世纪西班牙著名的画家_____。18世纪末19世纪初的伟大现实主义画家______创造了《1808年5月3日夜枪杀起义者》，表现了西班牙资产阶级革命者的不屈精神。 6法国浪漫主义大师______创作的《________》，标志着浪漫主义盛期的到来。 7印象主义兴起于19世纪下半期，它的主要画家有______、______、______；此后又出现了新印象主义，它的主要代表画家是 _____。二、名词解释(每题5分，共10分) 蒙娜丽莎库尔贝美术作品分析试题: 试就齐白石的《虾》(1946年)写一篇千字左右的赏析文章(要求写在稿纸上，请将准考证号写在右上角，作品用幻灯放映)。提示:齐白石的这幅水墨画作于1946年，如题记所示，白石老人那一年八十六岁；另一幅《虾》(1929年可作参照，白石自题:“余之画虾已经数变，初只略似，一变毕真，再变色分深淡，此三变也。” 美术史系: 中外美术史常识与美术作品分析一、填空(每空2分，共20分) (1)中国现存最早、最大和最高的木结构阁楼式塔是 _________。 (2)油画《蒙娜丽莎》的作者是 ______。 (3)青铜器主要指我国自夏代末期至秦汉时期用铜、_________合金制作的各种器物。 (4)雕塑》思想者》的作者是 _______。 (5)黄公望的代表作是 _________。 (6)油画《梅杜萨之筏》的作者是 _______。 (7)沈周、_____唐寅、______仇英合称“明四家”。 (8)澳大利亚悉尼歌剧院是由建筑师______设计的。 (9)《韩熙载夜宴图》的作者是_______。 (10)《格尔尼卡》是现代著名画家 ________的作品。二、选择(每题2分，共20分) (1)巴黎圣母院是属于西方美术上( )风格的建筑 A 罗马式 B 巴洛克式 C 哥特式 D 拜占庭式 (2)漫画作品《三毛流浪记》的作者是( ) A 叶浅予 B 丁聪 C 华君武 D 张乐平 (3)“巡回展览画派”的代表人物有( )

“美术”含义、起源、历史与发展

美术 “美术”这个专门名词，在中国的“五·四”新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。它源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、魔术、医学等。中国古代所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。在古代，无论东方或西方，都只有“工艺”、“手艺”这样的概念。在中国古籍中只有“绘缋之事”、“刻削之道”、“刻镂之术”、“锦绣文采”等工艺术语的运用，却未见类似“美术”这样的专门名词，这是因为人类的美感意识，是首先从满足生存需求的工艺品萌生的。在欧洲，“艺术”和“美术”这两个概念，直到文艺复兴之际才确立并被公认。那时人们开始意识到创造纯粹精神领域的产物，更足以使人激昂精神、开阔胸怀，达到互相同情、增强意志、建立信念的目的。这类思想意识的活动，是人文主义发展的一种重要表现，是人的主体意识的发扬，它涉及到艺术的不同领域和形态，这就是我们现在已经大规模扩展开来的文学、艺术各门类，其中包括美术。这种精神产品，从物质中提升，和物质相辅而行，成为全面滋养人们心灵所不可缺少的营养。人类依靠它陶冶情怀，并协同各门类的科学认识世界，普及教育，开拓文明。它起着组织和协调社会成员的意志和行为的作用。文明的发展是和艺术创造分不开的，艺术是精神文明的重要而鲜明的标志之一。在欧美拉丁语系国家，“art”既作“艺术”解，又作“美术”解。蔡元培早期运用“美术”这个术语时，也包括诗歌和音乐。其后，中国的文艺界、教育界把“美术”和“艺术”的概念逐渐区分开来。“艺术”是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和表达社会意识的一门大学科，广义上包罗文学、音乐等，也包括建筑和园林等。综合性艺术有戏剧、电影、曲艺、杂技等，它们不同程度地利用美术，有的和美术密切结合。“美术”作为“艺术” 的一个门类，必然与姊妹艺术有共性，但它的艺术形态具有鲜明的特征。它和姊妹艺术结合时，极大地丰富了艺术表现力，在一定的社会发展条件下，美术甚至可以和科技相结合，派生出艺术新品种。人类在创造精神产品时，自然地分门别类，建立起文学艺术的各个分支，使之朝着专门化的方向前进，形成了各种艺术门类的独特性能。它们在许多场合虽分犹连，有时则分而复合。每一次的结合和交融（如动画电影、音乐喷泉），便产生艺术的新意向、新品种和相应的艺术感染力。艺术的分化和复合都是一种发展，在发展中开拓了对艺术的认识，更新了艺术的观念。其所以有分有合，分而不悖，合而能容，是因为各种艺术品类都受共同的美学原则的支配，有共通的规律可循。此外，如果从审美和美育的角度谈“美”的问题，“美”这个字眼在汉语中的含义非常广泛，不但概括着整个文艺范畴，而且还介入伦理、哲学等领域。美术的形态和特性古今中外的美术品类丰富多彩，形态各异，千变万化。现代美术因受科技和工业生产的影响，新思潮不断涌现，前所未见的新样式、新品种层出不穷。美术要求发展个性，发展的总趋势是走向多元化，所以对它的共同特征难于作条理明晰的概述。世界上的美术品类，按物质材料和制作方法来区分，大体上可分为绘画、雕塑、工艺美

2017年北京电影学院电影表演创作艺术与电影基础理论(专业学位)考研真题

育明教育独家专注北京电影学院考研专业课辅导育明教育官方网站：https://www.docsj.com/doc/4e12039093.html, 1 2017年北京电影学院电影表演创作【艺术与电影基础理论】（专业学位）【育明教育独家提供】育明教育推荐阅读书目：《艺术学概论》彭吉象《艺术概论》王宏建《艺术概论》赵彬主编《艺术学基础知识》王次炤《中国电影史》钟大丰《外国电影史》郑亚玲《认识电影》（美）路易斯.贾内梯著《电影理论与批评》王志敏《电影史：理论与实践》（美）艾伦、戈梅里著李迅译外加重要辅助资料育明教育独家内部笔记资料包含：【艺术热点】+【中西文论】+【文艺理论】+【艺术理论内部试题库】 +【电影基础理论内部试题库】

育明教育独家专注北京电影学院考研专业课辅导育明教育官方网站：https://www.docsj.com/doc/4e12039093.html, 22017年北京电影学院【艺术与电影基础理论】（专业学位）考研真题【育明教育独家首发】一、名词解释 1、审美意象 2、黄金分割律 3、间离效果 4、公共艺术 5、汉字艺二简答 1、什么是艺术真实 2、简述造型艺术和实用艺术的联系和区别 3、意大利文艺复兴时期关于人的美学思想三、论述 1、意境是中国古典美学的主要范畴。其主要内涵是什么 2、怎么理解审美感受的差异性和共同性 3、结合具体文艺作品谈谈现实主义和现代主义的区别 4、举例论述电影与新媒体艺术的关系

育明教育独家专注北京电影学院考研专业课辅导育明教育官方网站：https://www.docsj.com/doc/4e12039093.html, 3【表演学院】院系：表演学院研究方向名称：电影表演创作研究方向介绍：主要培养具有较高水平的电影表演艺术创作技能的专门型人才。能够独立塑造鲜明的人物形象，在影视与戏剧中担任重要角色。具备良好的表演艺术素质，系统地掌握表演艺术基础创作理论。侧重于电影表演艺术创作规律及创作方法的深入性研究及演员创作能力的高层次拓展。业务课二名称：电影表演创作分析业务课二介绍：考生根据指定的电影角色、作品或演员，结合表演专业基础理论知识及个人表演创作实践经验对作品中表演创作或演员的创作风格进行分析。

论艺术设计中的对称美与形式美

龙源期刊网 https://www.docsj.com/doc/4e12039093.html, 论艺术设计中的对称美与形式美作者：刘迪诺来源：《北极光》2016年第04期摘要：纵观艺术设计发展的各个历史阶段，审美、功能设计一直都是设计的核心与灵魂。无论是早期设计的笨拙、朴素，还是中期的趣味各异，亦或现代艺术设计的温情与艺术，都传达了人们对于作品审美的期待。完善的功能设计固然十分重要，但也需要完美的形式加以承载。对称美、形式美在艺术设计作品中的表现不可谓不深刻，因此，本文重点就艺术设计中的对称美与形式美进行了探讨，以更好地满足艺术设计作品对于审美的诉求，迎合受众的审美习惯。关键词：艺术设计；对称美；形式美艺术设计依据人们的生理、心理需求，对生活用品、环境、方式等加以设计，试图迎合人们的审美心理与情趣。作为人类自我意识的结晶，艺术设计凝聚着人们丰富而深刻的思想内涵，对人们的创造性思想加以传达。为满足受众对于艺术设计作品精神层面的审美需求，要求作品必须利用一种规律、和谐、流畅、有序的形式美感传达信息，带给人们美的享受与愉悦感。一、艺术设计中的对称美明确艺术设计中的对称美，有助于更好地利用对称艺术形式，对作品文化、精神内涵加以挖掘，促进人们对于作品形式、构成与深层次内涵的理解，满足受众的心理需求。（一）平面设计中的对称美通常而言，平面设计需要通过视觉语言，实现沟通与传播，因此，视觉符号的运用方式十分关键，为了使设计者所表现物象能够为受众迅速、准确的理解，必须对此类元素加以设计，将设计信息深深地植入到其脑海之中，达到瞬间传达信息的目的，在此过程中，视觉元素与图案创意表现成为吸引受众目光的关键。分析人们的视觉印象不难发现，缺乏内容、审美价值、无意义的图案很难吸引受众的兴趣，要求所设计内容，如构图、排版、色彩、点线面等都必须达到一种和谐的状态，才能满足受众观赏需求，引起受众的兴趣。而富有对称感、韵律性、流畅化的“内容”在艺术设计中应用十分广泛，就心理学视角而言，即格式塔心理学所谓的“力的图式”，也就是说，要求物体间组合形成均衡的“力的图式”，这样才能为人们带来视觉美感与心理享受，而均衡的对称性能够带给人们美感，并从心理上与受众产生共鸣。因此，“对称美”已成为艺术设计的重要审美标准之一，也受到了越来越多设计大师的关注和运用。例如，在平面广告设计中，有设计师采用轴对称形式，将现实中难以出现的状况呈现在观众面前，带给大家强烈的视觉冲击力，还可以采用左右对称的美女，引发受众的兴趣，继而对产品加以关注，

艺术史复习资料整理

艺术史复习资料整理关于艺术的起源问题素来是学术界的“斯芬克斯之谜”,多数美学著作都归总为五种主要的说法：模仿说、游戏说、表现说、巫术说和劳动说。艺术思潮的发展经历：古典主义—巴洛克风格样式—洛可可风格—新古典主义艺术的发展经历：为神的设计—为人的设计 20世纪初，随着近代机器工业的发展，在中国兴起了“东学西渐”之风，我国从日本引进了“图案”这个学科。20世纪中国的造物艺术走了一条“图案—工艺美术—设计艺术”三个阶段的曲折发展道路。艺术设计分为六大类，即环境艺术设计、视觉传达设计、工业设计、染织与服装设计、广告设计、动漫设计。洛可可是流行于18世纪法国宫廷建筑和工艺美术的一种艺术风格，将神学从哲学中剔除，选择倾向世俗的路线，趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。巴洛克艺术的主要特征： 1、它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩； 2、它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力； 3、它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂； 4、它很关注作品的空间感和立体感； 5、它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象； 6、它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位； 7、大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。新古典主义所谓“新古典主义”，首先是遵循唯理主义观点，认为艺术必须从理性出发，排斥艺术家主观思想感情，尤其是在社会和个人利益冲突面前，个人要克制自己的感情，服从理智和法律，倡导公民的完美道德就是牺牲自己，为祖国尽责。艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美；注重古典艺术形式的完整、雕刻般的造型，追求典雅、庄重、和谐，同时坚持严格的素描和明朗的轮廓，极力减弱绘画的色彩要素。“新古典主义”的“新”在于借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物，紧密配合现实斗争，直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务，具有鲜明的现实主义倾向。因此，新古典主义又称革命古典主义，它的杰出代表是达维德。洛可可风格原意为“贝壳形”．源于法语的“精巧”。18世纪路易十五时期的贵族崇尚纤巧轻佻、华丽繁褥。洛可可的室内装饰色彩明快，细腻柔媚，多用弧线，缠绵盘曲，以涡旋纹为标志。浪漫主义在建筑上提倡自然艺术，主张用中世纪的艺术风格和学院派的古典艺术相抗衡，追求脱俗的趣味和异国情调。约翰·拉斯金：他主张艺术与技术的结合，认为应将现实观察融入设计当中，并提出设计的实用性目的。他的设计理论具有强烈的民主和社会主义色彩，也非常混乱。既强调为大众，又主张从自然和哥特风格中找寻出路，这显然不是为大众的；既包含社会主义色彩，又包含对大工业化的不安。他的的艺术设计思想和理论为工艺美术运动奠定了一定的思想基础。新艺术运动追求一种与传统决裂、完全师从自然的全新风格。“新艺术”运动放弃传统的装饰风格．走向自然风格，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线、有机形态，而装饰的动机基本来源于自然形态。工艺美术运动的特点？ 1、强调手工艺，明确反对机械化生产。 2、在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其他各种古典、传统的复兴风格。 3、提倡哥特风格和其他中世纪风格，讲究简单、朴实，功能良好。 4、主张设计的诚实，反对设计上的华而不实趋向。 5、装饰上还推崇自然主义，东方装饰和东方艺术的特点。工艺美术运动的先驱艺术家、诗人威廉·莫里斯出生于英国，是英国工艺美术运动的领导者，被尊称为“现代设计之父”。莫里斯认为“美就是价值，美就是功能”，他强调手工艺，明确反对机械化的生产。在装饰上反对古典、传统的复兴风格；提倡哥特风格和其他中世纪的风格，讲究简单、朴实无华、良好功能；主张设计的城市、诚恳，反对设计上的哗众取宠、华而不实趋向；装饰上推崇自然主义、东方装饰和东方艺术的特点。英国工艺美术运动最早的建筑实体之一“红房子”，是1859~1860年由建筑师菲利普·韦伯为莫里斯结婚而设计的私人住宅。从产生的社会背景来看“新艺术”和“工艺美术”的相似之处：首先他们都是强烈反应工业化风格，重视与热衷传统手工艺；其次，他们都反对繁琐矫饰和过分装饰的风格，他们都放弃传统装饰风格的参照，转而向采用自然中的一些装饰形式，比如以植物、动物为中心的装饰风格和图案的发展。 “新艺术”和“工艺美术”的不同之处：“工艺美

斯坦尼表演理论

表演理论第一讲绪论一、表演作为一门学科表演作为一门学科，迄今为止还谈不上科学，虽然有表演，有表演教学，甚至有表演经验谈，但作为一门严格意义上的科学还远没有形成。衡量一门学科是否是科学，有两个基本的考察点：一个是这门学科的历史，一个是这门学科的理论。德国艺术史家格罗塞在谈到艺术作为一门学科的条件时曾说过： “艺术史和艺术哲学的合起来，就成为现在的所谓艺术科学。”P1 可见，艺术的历史和艺术的理论是艺术成为一门科学的充分必要条件。表演如果要成为科学也必须满足表演的历史与表演的理论这两个要求。到目前为止，表演专业中的表演教学，既没有表演史的教学，也没有表演理论课教学。这在其他学科是不可思议的事情。文学、历史、哲学、音乐、美术、建筑、即使是刚诞生百来年的电影，全都既有历史的课程，也有理论的课程，唯独表演是个例外。即使是中戏、上戏这样的戏剧艺术的高等学府，开设表演专业也有半个世纪了，但令人遗憾的是，他们的表演专业课程设置里既没有表演理论课程，也没有表演历史课程。其他学科的主干课程主要是两门：历史课与理论课。表演专业的主干课历来就是声形台表，这所谓的“四大件”成为中国表演专业的必修课。这些课程重要不是重要？当然重要，但它还不是一门学科的充分必要条件，这些课是表演作为一门专业的特色课程，它解决的是表演作为一门技术的训练问题。作为表演专业的学生应高度重视声形台表课程。同时，表演专业的学生还必须认识到，表演的理论课与历史课对他们来说也是不可或缺的，否则，表演教育还只是私塾式或作坊制，还远远谈不上是现代意义上的高等教育。所以表演专业教育是不完整的。二、表演专业教育的不完整所导致的后果第一，由于缺乏系统的历史知识和理论素养，导致表演专业的学生基本上没有形成本专业的系统的历史知识，他们看不到本专业发展的清晰轨迹，看不到自己所处的历史位置，不能对表演专业作出历史学的判断；而专业理论思考和理论素养，是任何一个专业的基本要求，表演专业由于没有理论思维训练与思维习惯，他们基本上没有理论的自觉，也不能对本专业作出富有理论价值的判断。因此，表演专业的学生对表演的历史和理论存在着严重的误区，他们忽视甚至轻视理论学习，认为专业技巧的学习就是一切。其结果是：第二，表演教学只是对表演技能的培养与训练，表演教材只是对表演技术的说明书，表演教师只是表演技巧的技师，学生只是一个习得表演匠艺的学徒，总之，整个的表演教学沦为技工学校，失去的思考的教学活动就等于失去了灵魂。这样的工作将高等教育的意义人为的降低了，因为这是一般剧团和演员培习完全所能胜任的工作。第三，将表演专业与其他专业完全隔离开来，看不到学科之间的联系。由于表演专业没有历史与理论的积淀，这就使得表演专业缺乏深厚的人文背景，缺乏从其他学科吸取滋养，从学科结构上把表演专业与其他专业孤立起来。第四，表演学术传统没有建立起来。一代一代的表演专业的学生，他们以成为一名优秀演员作为自己的最高目标，基本忽略从学术的角度来看待自己的专业，表演作为一门学科的学术传统是什么？学生不清楚也不关心。他们也极少把表演作为一门专业来进行理性的思考，也就是说，表演专业培养的学生缺乏反思意识。

艺术设计-形式美法则

设计师——作为现代社会的艺术家——还必须在其设计的作品中提供丰富的文化营养、情趣和别的什么有价值的东西。 ——（英）艾伦·弗莱彻https://www.docsj.com/doc/4e12039093.html,/text02.htm 编排设计内容简介编排是以优秀的布局来实现卓越的设计。编排设计是现代艺术设计的重要组成部分，也是视觉传达的重要手段。它是将文字、插图、照片、图形、标志等视觉元素给予有机的整理与配置，作总体的安排与布局，将理性思维个性化地展示出来，使其成为具有最大诉求效果的构成技术。成功的编排设计一方面是通过动态、视觉诱导、空白运用、结构、比例等艺术手段，处理具有各种不同作用的构成要素，使之达到均衡、调和的效果，使其成为一个具有视觉魅力和强而有力的组织构成，提供正确、清晰、完整而明快的信息给消费者；另一方面是通过设计师个性化的风格和具有艺术特色的视觉传达，使观者产生感官上的美的享受，并使设计在效果与功能上事半功倍。有人将编排设计师比喻为音乐作曲家，将各种不同色调、肌理与形态的视觉要素组织成为变化丰富而又高度统一的优美乐曲；也有人将其视为舞台中的场景调度，将各种承担信息传达任务的文字、图形艺术地组合起来，使整体设计变成一个有张有弛、刚柔并济、充满戏剧性的舞台。一张充满动感与节奏感、形态张扬的编排设计与一张严谨、清晰的编排设计传达给人的心理感受是截然相反的。形式美的法则在编排过程中起着决定作用，它使设计的版面效果引人注目、生动、简洁、典型。研究和突破形式法则会使编排形式独具格调和个性。编排设计的范围可涉及到平面设计的各个领域，如产品简介、企业样宣、海报、挂历、贺卡、包装、报纸、杂志、书籍、画册、信封、信笺、名片、POP等等，可以说平面设计的原理与理论贯穿于编排设计的始终。版面设计的要点从版面编排角度看，形式美法则是多方面的，可概括为七个方面加以探讨：统一与变化、对比与调和、对称与平衡、节奏与韵律、条理与反复、动感与静感、整体与局部。 1、统一与变化是形式美法则的高级形式。我们在设计版面时应注意处理好统一与变化的比重关系。统一是主导，变化是从属。统一强化了版面的整体感，多样变化突破了版面的单调、死板。但过分地追求变化，则可能杂乱无章，失去整体感。统一之美，是指版面构成中某种视觉元素占绝对优势的比重。如在线条方面，或以直线为主，或以曲线为主；在编排走文上，或以单栏为主，或以变栏为主；在版面色彩上，或以冷色调为主调，或以暖色调为主调；在情调方面，或以幽雅为主，或以强悍为主；在疏密方面，或以繁密为主，或以疏朗为主。如北京晚报繁密，中国青年报则疏朗。